Nanny

Nänie ( latin nenia eller naenia ) er navnet på en sørgende gudinde eller en begravelsessang, der fulgte med begravelsesoptog i det gamle Rom . Da disse sang ikke blev nedskrevet skriftligt, ved man lidt om deres oprindelse og form. Det anses for sandsynligt, at de omfattede traditionelle tekster og melodier og blev ledsaget af fløjte eller lut . Nänien nævnes blandt andet i Suetonius og Seneca den Yngre . I Horace og Ovid optræder "Nänie" også i betydningen af ​​en børnesang eller en magisk sang. Nogle gange bruges udtrykket også synonymt med Threnos , det gamle græske navn for forskellige typer klagesange.

Efter det gamle udtryk blev Nänie optaget i renæssancen og tidligt moderne tid af humanistiske digtere som Michael Marullus og dyrket som en litterær genre . Inklusive brugt Erasmus fra Rotterdam udtrykket slutningen af ​​det 15. århundrede i hans nekrolog over Johannes Ockeghem , blev Johannes Lupis musik sat på.

Dagens mest kendte litterære værk med titlen Nänie stammer fra Friedrich Schiller , der brugte udtrykket som titlen på et digt udgivet i 1800 ("Selv det smukke må dø!"), Hvis indhold er baseret på talrige eksempler fra græsk mytologi såvel som i den valgte versform af distich refererer til græsk antik. Johannes Brahms satte dette digt til musik i 1880/81 til minde om maleren Anselm Feuerbach for kor og orkester (op. 82). Carl Orffs version blev udgivet i Bremen i 1956 og blev senere inkluderet som den anden sats i Dithyrambi -cyklussen , der havde premiere den 22. november 1987 med det bayerske radiokor i München.

Schillers niece

Fremkomst

Thetis græder over den døde Achilles , Johann Heinrich Füssli , 1780

Schillers Nänie optrådte første gang i 1800 i bindet Gedichte von Friedrich Schiller, første del, og blev sandsynligvis skrevet i 1799, kort før det gik i trykken. Det stammer fra Weimar Classic -perioden , hvis litteratur omhandlede græske epos og myter, fulgte idealerne om gammel æstetik og vedtog former for gammel poesi. Bortset fra sangen fra klokken er det Schillers sidste udgivne digt.

Goethes digt Euphrosyne , der viser paralleller i indhold og form til Nänie og optrådte i Schillers Muses-Almanach for år 1799 , samt Goethes Achilles og Schillers undersøgelse af "de smukkes død" som en del af hans arbejde med Wallensteins død er betragtes som direkte påvirkning af Schiller . Digtets kunstfilosofiske indhold vidner om digterens optagethed af Karl Philipp Moritz ' Om den visuelle efterligning af det smukke (1788).

Fuld tekst

Nanny

Selv den smukke skal dø! Det erobrer mennesker og guder,
    Det bevæger ikke den uskyldige bryst af Stygian Zeus.
Kun én gang blødgjorde kærligheden skyggeherskeren,
    og på tærsklen kaldte han stadig, strengt, sin gave tilbage.
Aphrodite gør ikke stadig den smukke dreng det sår, som
    ornen grusomt huggede ind i den sarte krop.
Den udødelige mor redder ikke den guddommelige helt,
    når han, der falder ved Scaean -porten, opfylder sin skæbne.
Men hun rejser sig op af havet med alle Nereus 'døtre,
    og klagesangen begynder for den herliggjorte søn.
Se venligst! Så græder guderne, gudinderne alle græder,
    At det smukke går til grunde, at det perfekte dør.
At være en klagesang i den elskedes mund er også herligt;
    Fordi middelværdien går ned til Orcus uden en lyd.

fortolkning

Indholdsrelaterede udsagn

Emnet for klagesangen i Schillers Nänie er ikke en konkret persons død, men en abstraktion, det "smukke" i sig selv. Dette bliver tydeligt på den ene side i de konsekvent abstrakte termer ("det smukke", "det perfekte"), og på den anden side ved, at Schiller illustrerer den indledende tese "Selv det smukke skal dø!" Med tre eksempler fra Græsk mytologi, men nævner ikke afdødes navne og lader dermed deres individuelle skæbne tage bagsæde. Selv Hades , underverdenens gud nævnes ikke ved navn, men som "Stygian Zeus" afgrænset (af Styx , underverdenens flod og Zeus , de gamle grækers mægtigste gud). Digtet går ud fra, at læseren er bekendt med de myter, som distiches to til fire hentyder til: sangerinden Orpheus ' forsøg på at redde sin brud Eurydice fra underverdenen, sorg over gudinden Aphrodite for sin elsker Adonis og manglende evne havnymfe Thetis for at redde sin søn Achilles fra døden.

Det femte dobbeltvers indvarsler et nyt tankegang med det indledende ord "Men": Det rapporterer om Thetis klagesang for deres faldne søn, der ifølge Odysseen fik følgeskab af alle Nereiderne og muserne, og som bevægede mennesker og guder til tårer i 17 dage (sjette distich). I det sidste dobbeltvers konkluderer Schiller, at det også er "vidunderligt" at blive fremført som en klagesang "i den elskedes mund". Det smukke har således mulighed for at fortsætte med at leve i kunsten efter dets jordiske ende. Som den første, klagende distich introduceres denne trøstende indsigt med ordet "også" og dermed direkte modsat det. Den nanie kan derfor forstås både som klag og som en refleksion over det. Denne dikotomi er typisk for Schillers poesi: "Sensation frigøres aldrig fra det reflekterende sinds greb." (Ernst Osterkamp)

Formelle aspekter

Schiller valgte distich som versform af Nänie , hvor hvert dobbeltvers består af et hexameter og et pentameter . I antikken blev denne form brugt på den ene side i den klagende elegi , på den anden side i epigrammet , der udtrykker en tankegang i en spids form, ofte i en enkelt distich. Den nanie kan ikke tydeligt tildelt en af disse typer af digt, da det omfatter begge aspekter af en Klagesang, og dem af intellektuel refleksion. Denne særlige position kommer også til udtryk i arrangementet af digtet inden for det posthume, men stadig udarbejdede af Schiller selv, pragtfulde udgave af hans digte: inden for den tredje bog, der indeholder elegierne og epigrammerne, er det i næstsidste position efter en serie af epigrammer med votiv -tabletter og efterfulgt af digtet ødelæggelsen af ​​Troja , som er det eneste i bindet, der ikke er skrevet i disticher.

reception

Da det første gang blev offentliggjort, var digtet det fjerde fra sidste i en antologi og mødtes som et af mange i første omgang med lidt respons. Der er heller ikke noget, der tyder på, at det ville have haft en fremragende position for Schiller selv. Hverken af ​​ham eller hans omgangskreds vides at have fremsat en erklæring om Nänie . I dag er værket derimod et af Schillers mest populære digte; det er repræsenteret i talrige digtsamlinger og er et almindeligt emne i skoletimerne.

Schillers Nänie inspirerede to romantiske komponister til at lave korværker: den mere kendte version stammer fra Johannes Brahms (op.82 fra 1881), men den tyske komponist Hermann Goetz havde allerede brugt digtet som en skabelon til sin op.10 i 1874.

Brahms ' niece

Fremkomst

Brahms begyndte at arbejde med opsætningen af ​​Schillers Nänie i foråret 1880 som svar på en vens død, maleren Anselm Feuerbach . Med udvælgelsen af ​​en tekstskabelon, der vedrører græsk antik i form af titel, motiver og form, henviste Brahms til de gamle emner, som Feuerbach foretrak. Efter en pause i arbejdet afsluttede han værket i sommeren 1881 og dedikerede det til Henriette Feuerbach , malerens stedmor. Den nanie var således en god ti år efter Brahms' bedst kendte korværk, den tyske Requiem op. 45, som på en sammenlignelig måde skaber en musikalsk balance mellem sorg for en afdød og Trøst de efterladte.

Musikalsk implementering af tekstskabelonen

Stemningen i Brahms komposition beskrives generelt som blid, udramatisk og tilgivende. Det er karakteristisk for værkets atmosfære, at det udelukkende er skrevet i store nøgler som en klagesang .

Brahms opdeler formelt teksten i tre dele, der svarer til digtets indhold: Orkesterindledningen, der varer 24 takter, er gennemsyret af sukkemotiver og introducerer allerede temaet for første del i oboen. Form A, i andante , D -dur og 6/4 tid, sætter derefter de første fire distiches til musik, som beklager den smukke død og illustrerer dem med tre mytologiske eksempler. Sopranen begynder med udsagnet "Selv smukke ting skal dø", de andre stemmer slutter gradvist ind som en fuga . De Crescendo kulminerer i homophonic klage over, at skønhed alene kan ikke flytte Hades , herskeren af underverdenen. Efter en kort caesura begynder bassen teksten fra det andet distich i takt 47 med en variation af fuga -temaet. I erindringen om Orfeus ' fiasko ender denne passage også i en homofoni, der gennemsyrer hele værket, når det kommer til at beskrive dødens uundgåelighed levende. Det tredje dobbeltvers minder om, hvordan Aphrodite skynder sig til hjælp for Adonis, der blev såret på jagten . Musikalsk kommer dette til udtryk i, at hanstemmerne begynder i takt 65, og alt og sopran begynder to takter senere i kanonen . Beskrivelsen af ornen, som Adonis påførte det dødelige sår, understreges af Brahms med en kraftig hemiole, der afslutter hver af de fire første disticher. Med Achilles død er koret hele vejen igennem og ledsaget af bevægelige stryger, den mest dramatiske passage i værket, der når sit dynamiske klimaks fra takt 81 med ordene "hans skæbne opfyldt".

Del B fra takt 85 er baseret på det femte og sjette distiches, der fortæller om Thetis 'klagesang og dens virkning på mennesker og guder. Dette vendepunkt med hensyn til indhold finder sin modpart i musikken gennem en ændring til F -dur; derudover er denne del i 4/4 tid og et vedvarende tempo (più sostenuto) . Brahms gengiver nymfens stigning op af havet med en streg, der stiger i kor , og de strenge, der spilles pizzicato, kan også ses som et tonemaleri af vandet. Som et resultat af strukturen udelades en anden mængde tekst på de musikalske formdele, så tekst gentagelser bliver hyppigere mod slutningen. Brahms bruger denne situation til at lægge større vægt på "alle gudernes" klagesang ved at sætte det sjette distich til musik to gange. Gråden, især af gudinderne, er designet kromatisk her . Den første henrettelse fra takt 97 begynder med klaver og stiger til den forte klagede over, at "det perfekte dør". Den anden indstilling fra takt 119 følger dette i forte, men ender i værkets dynamiske lavpunkt, en pianissimo -passage af koret, der blev sunget næsten a cappella fra takt 137.

En sammenligning af sopranen i takt 25 og 149 viser, hvordan åbningstemaet tages op igen i form A '.

I søjler 141–181 vender del G tilbage til tempoet, målingen og nøglen til A-delen og tager efter en otte-takts instrumental overgang også sit tema op for at sætte den sidste distich “Også en klagesang at være ...” til musik (se musikeksempel). Denne bueform understreger sammenstillingen af ​​klagesangen i begyndelsen med den trøstende tanke i slutningen af ​​digtet, som Schiller allerede skabte. Brahms dedikerer kun et par takter til det sidste vers ("det almindelige går ned til Orkus uden lyd"), hvor han igen, denne gang i klaver, som i del A, minder om døden med en homofonisk hemiole. Derefter understreger han det positive aspekt ved den sidste tanke ved at tage det næstsidste vers op igen fra takt 162 ("At være en klagesang ... ... er vidunderligt") og insisterer til sidst på ordet "vidunderligt" flere gange.

Indflydelse af indstillingen af ​​Goetz

Seks år før Brahms begyndte at arbejde med sin Nänie , havde den tyske komponist Hermann Goetz sat den samme tekst til musik. Hans bevægelse blev udført i februar 1880, kort efter Feuerbachs død, i Gesellschaft der Musikfreunde i Wien . Selvom det ikke vides, om Brahms deltog i forestillingen, og om han ikke havde noder til Goetz 'omgivelser, er det sandsynligt, at han kendte det tidligere værk, som også kaldes "Nenie".

Implementeringen af ​​de to komponister adskiller sig imidlertid på væsentlige punkter: Goetz version er mere dramatisk og placerer sorg og klage mere i forgrunden end Brahms. Goetz tildeler også dele af koret , svarende til et oratorium , rollerne for dem, der handler i digtet. I sit værk for eksempel er tenoren legemliggjort Orpheus, mens sopranen og alten repræsenterer døtrene til Nereus.Brahms undlader dette og lægger i stedet større vægt på digtets ideer. Gennem den musikalske bueform understreger han den indholdsrelaterede sammenstilling af den første med den sidste distich, mens Goetz komponerer sine omgivelser i en lige linje. En bemærkelsesværdig parallel er derimod, at begge komponister lader deres værker ende med digtets næstsidste vers og en gentagelse af ordet "herlig".

reception

Premieren på Brahms ' Nänie fandt sted den 6. december 1881 i Zürich . I samme måned udkom værket også på tryk. Koncerten satte et dybt indtryk på publikum og var også en økonomisk succes, så Tonhalle -bestyrelsen fik lavet et sølvpokal til anerkendelse af Brahms. Yderligere forestillinger fulgte hurtigt, herunder i Wien i 1882. I dag er det 15 minutter lange værk baseret på det tyske Requiem op.45 og i en serie med Rhapsody for altsolo, mandskor og orkester op.53, Schicksalslied op.54 og sangen i Parzen op.89 en af de velkendte korværker af Brahms.

litteratur

Weblinks

Individuelle beviser

  1. ↑ Se Wilhelm Kierdorf : Art. Nenia. A. begravelsessang; B. Gudinde . I: The New Pauly . Encyclopedia of Antiquity 8 (2000), 821f.
  2. ^ Entry Nänie in Das neue Lexikon der Musik. Metzler, 1996
  3. ↑ Walter Gause -vittighed : Schillers "Nänie" . I: månedlige tidsskrifter . tape 51 , nej. 6 , 1959, s. 293-302 , JSTOR : 30159075 .
  4. ↑ Friedrich Schiller: Komplette værker. Bind 1: digte, dramaer jeg . Albert Meier (red.), Deutscher Taschenbuch Verlag , 2004. ISBN 3-423-59068-8
  5. ↑ Citeret fra Friedrich Schiller: Complete Works. Efter den sidste udgave med henvisning til de første tryk og manuskripterne . Bind 3: digte, historier, oversættelser . Zürich / Düsseldorf: Artemis og Winkler 1996.
  6. ^ Ernst Osterkamp: Det smukke i Mnemosynes skød. I: Norbert Oellers (red.): Fortolkninger. Digte af Friedrich Schiller. Reclam, Stuttgart 1996, ISBN 3-15-009473-9 , s. 287.
  7. ^ Matthias Walz: Nänie op. 82. I: Hans Gebhard (Red.): Harenbergs Chormusikführer - Fra Kammerkoret til Oratoriet. Harenberg, 1999, s. 139-140, ISBN 3-611-00817-6 , s. 140.
  8. ↑ Firenze maj: Johannes Brahms. Historien om hans liv. Oversat fra engelsk af Ludmille Kirschbaum. Matthes & Seitz 1983, s. 211.
  9. ^ François Dupray: Le fruit d'une longue -drægtighed . I: Tillæg til cd'en Brahms Symphony No. 1 / Nänie. Boston Symphony Orchestra , Bernard Haitink , Tanglewood Festival Chorus (performer), Philips Digital Classics 1996.