Opera

fra Wikipedia, den gratis encyklopædi
Operastjerne Maria Callas

Som opera (af italiensk opera i musica , "musikalsk værk") henviser til en 1600 skabt (med begyndelsen af ​​baroktiden) siden 1639 musikalsk genre af teater . Desuden betegnes operahuset (forestillingsstedet eller den producerende institution) eller det udøvende selskab også en opera .

En opera består af at indstille et dramatisk digt til musik udført af et syngende ensemble , et ledsagende orkester og undertiden et kor og balletensemble . Udover sang udfører skuespillerne drama og dans på en teaterscene, der er designet ved hjælp af maleri , arkitektur , rekvisitter , belysning og sceneteknologi . Skuespillernes roller tydeliggøres af masken og kostumer . Dirigenten for musicalen, direktøren for ledelsen og scenografen for udstyret fungerer som kunstneriske ledere . I baggrunden støtter hun dramaturgien .

Afgrænsninger

Opera er opsummeret med dans, musical og operette under betegnelsen musikteater . Grænserne for relaterede kunstværker er flydende og defineres altid i enhver epoke, for det meste også med hensyn til visse nationale præferencer. På denne måde forbliver operaen som genre levende og modtager konstant nye ideer fra de mest varierede områder af teatret.

Opera og drama

Drama i streng forstand, at folk kun taler på scenen, er sjældne i teaterhistorien . Blandede former for musik, recitation og dans var reglen, selvom forfattere og teaterfolk nogle gange bestræbte sig på at redde eller reformere dramaet. Siden det 18. århundrede er der opstået blandede former mellem drama og opera fra de forskellige varianter af opéra-comique , såsom balladeopera , singspiel eller farce med sang. Mozarts Singspiele er tildelt opera, de af Nestroy betragtes som skuespil. Flyt på grænsen z. B. også værkerne fra Brecht / Weill , hvis treopentiske opera er tættere på dramaet, mens Mahagonnys bys stigning og fald er en opera. Musik, der er fuldstændig underordnet drama kaldes dramamusik .

En udbredt form for teater relateret til drama siden begyndelsen af ​​det 19. århundrede var melodrama , som i dag kun er til stede i populær film. Det havde stor indflydelse på opera på det tidspunkt med sine eventyrmaterialer. Stedvis indeholdt den baggrundsmusik som baggrundsmusik til handlingen på scenen (mindre af den talte tekst). Dette er hvad udtrykket melodrama , som stadig er kendt i dag, henviser til . Sådan baggrundsmusik findes for eksempel i Mozarts Idomeneo , Ludwig van Beethovens Fidelio , i Webers Der Freischütz (i Wolfsschluchtszene) og i Humperdincks Königskinder .

Opera og ballet

I den franske tradition er dans blevet integreret i operaen siden baroktiden. Klassisk ballet kæmpede for at frigøre sig fra denne forbindelse i det 19. århundrede, men de neoklassiske værker fra det 20. århundrede, for eksempel af Igor Stravinsky eller Bohuslav Martinů , bekræfter forholdet mellem opera og ballet. Italienske opera var heller ikke blottet for dans, selvom dans ikke dominerede i samme omfang. I dag er repertoirets balletter og divertissementer for det meste fjernet fra partituret, så indtrykket af en linjeseparation skabes.

Opera og operette / musical

Operettens genre og relaterede former som zarzuela , som en videreudvikling af Singspiel, adskiller sig fra operaen, som i stigende grad blev sammensat fra midten af ​​det 19. århundrede og frem gennem de talte dialoger, men også gennem dens fremherskende underholdning krav og den primære bekymring for popularitet eller kommerciel succes. Denne afgrænsning opstod først i slutningen af ​​det 19. århundrede: da den "komiske opera" var skiftet fra "lav" til "høj" genre, opstod operetten som en ny "lav" genre. Det samme gælder musicalen , den videre udvikling af populært musikteater i USA. Operette og musical er dog ikke mindre kunstformer end opera.

historie

forhistorie

Antikken

Selv i det antikke græske teater blev naturskøn handling kombineret med musik. Moderne opera henviste gentagne gange til denne model og var i stand til at fortolke den på de mest forskellige måder, fordi der ikke er blevet overført meget fra performance-praksis. Et kor, der sang og dansede, spillede en vigtig rolle ved at opdele dramaet i episoder eller have til opgave at kommentere handlingen. Romerne dyrkede komedie snarere end tragedie . Mimus og senere pantomime havde en høj andel musik. På grund af ødelæggelsen af ​​de romerske teatre i det 6. århundrede og tabet af bøger i slutningen af ​​antikken er mange kilder om det gået tabt.

Siden begyndelsen af ​​det 20. århundrede er der imidlertid blevet brugt adskillige gamle bygninger, især amfiteatre og teatre, til operaoptrædener. De mest kendte er Théâtre Antique i Orange (med afbrydelser siden 1869), Arena di Verona (siden 1913), Odeon af Herodes Atticus i Athen (siden 1930'erne), Caracalla-bade i Rom (siden 1937) og Romersk stenbrud St. Margarethen (siden 1996).

middelalderen

I højmiddelalderen , baseret på påske Mass tjeneste, en ny tradition sunget handling opstod. Det spirituelle leg fandt først sted i kirken, derefter i det 13. århundrede som et lidenskabsspil eller processionsleg uden for kirken. Populære temaer var de bibelske påske- og julebegivenheder, også med komiske mellemrum. Melodierne overføres ofte, brugen af ​​musikinstrumenter er sandsynlig, men sjældent verificerbar. I den retlige sfære var der verdslige stykker som Adam de la Halles melodiøse Jeu de Robin et de Marion (1280).

Renæssance

Produktionsdesign til Orpheus og Amphion, Düsseldorf 1585

Tidspunktet for karneval , som senere blev den traditionelle opera sæson, har givet mulighed for musikalske og teatralske handlinger siden det 15. århundrede, som udgik fra de dengang største europæiske byer i Italien: intermedia , dans spil, maske og triumf parader er en del af den bymæssige repræsentation i den italienske renæssance . Den madrigal var den vigtigste genre af vokalmusik og var ofte forbundet med dans.

Den kongelige domstol i Frankrig fik betydning sammenlignet med Italien i det 16. århundrede. Den Ballet Comique de la reine 1581 var en danser og sunget handling og betragtes som en vigtig forløber for operaen.

Et tidligt forsøg i Tyskland på at udføre et dramatisk plot med syngende hovedpersoner i et scenedesign er opførelsen af Orpheus og Amphion på en samtidig scene i anledning af Jülich-brylluppet mellem Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg og Margravine Jakobe von Baden i Düsseldorf i 1585. Som muligt kaldes komponist af den musik, der ikke er overleveret, Andrea Gabrieli . Musikken var så smuk, "at den ikke var der / på det tidspunkt / og hørte sådan Musicum concentum & Symphoniam / om, at det var muligt at tro." Handlingen var naturligvis primært en allegori i betydningen af ​​en prinses spejl .

oprindelse

Florentinske Camerata

Operaen i nutidens forstand opstod i Firenze i slutningen af ​​det 16. århundrede . Den florentinske Camerata , en akademisk diskussionsgruppe, hvor digtere (fx Ottavio Rinuccini ), musikere, filosoffer, aristokrater og en protektor for kunsten - oprindeligt overtog denne rolle, grev Bardi , senere grev Corsi  - spillede en vigtig rolle i historien om dens oprettelse . Disse humanister forsøgte at genoplive det gamle drama , som de mener omfattede vokalsolister, kor og orkester. Efter det pastorale drama i det 16. århundrede blev librettoen designet og sat til musik ved hjælp af datidens musikalske midler. Vincenzo Galilei tilhørte denne gruppe. Han opdagede salmer af Mesomedes , som går tabt i dag, og skrev en afhandling mod hollandsk polyfoni . Dette var et klart bevis på den ønskede musikstil, den daværende nye solo-stemme med instrumental akkompagnement.

Forståelsen af vokalmusikens tekst var den vigtigste ting for den florentinske Camerata. En klar, enkel vokallinie blev erklæret som idealet, som den sparsomme basso- Begleitung med få og blide instrumenter som lute eller cembalo måtte underordne sig. Veludviklede melodiske ideer var uønskede for ikke at tilsløre indholdet af ordene ved sang. Der var endda tale om en " nobil sprezzatura del canto" ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), en "ædel foragt for sang". Denne type sang blev kaldt recitar cantando , reciting sang. Enkelheden og begrænsningen af recitar cantando står i kontrast til den fremherskende polyfoni med dens komplekse lag med noter og tekst. Med monody , som denne nye stil blev kaldt med henvisning til antikken, skulle ordet komme i sin fulde ret igen. En teori om påvirkningerne udviklede sig , som kunne transporteres gennem den sangte tekst. Kor i madrigalform eller som motet sluttede sig til monodien af ​​de enkelte vokaldele . Orkestret spillede ritorneller og dansede imellem.

Det første værk i operagenren er La Dafne af Jacopo Peri (premiere i 1598) med en tekst af Ottavio Rinuccini , hvoraf kun nogle få fragmenter har overlevet. Andre vigtige værker fra de tidlige dage er Peris Euridice (1600) som den ældste overlevende opera samt Euridice (1602) og Il Rapimento di Cefalo af Giulio Caccini . Emnerne for disse tidlige operaer blev hentet fra hyrdepoesi og frem for alt fra græsk mytologi . Mirakler, magi og overraskelser, repræsenteret af udførlige scenemaskiner , blev populære komponenter.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdis første opera L'Orfeo (1607) tiltrak særlig opmærksomhed . Det havde premiere i Mantua den 24. februar 1607 i anledning af fødselsdagen for Francesco IV Gonzaga . Sammenlignet med sine forgængere kan der for første gang høres et rigere sæt instrumenter her (skønt det for det meste kun antydes i partituret ), udvidet harmoni , lydpsykologisk og billedfortolkning af ord og figurer samt instrumentering, der karakteriserer folket . Trompeter bruges for eksempel til underverdenen og dødsscener, strenge til sovende scener, og et træorgel bruges til hovedpersonen Orfeo .

Monteverdi: Penelopes arie “Di misera, regina” fra Il ritorno d'Ulisse in patria

Monteverdi udvider recitar cantando vokallinjen til en mere arielignende stil og giver korene større vægt. Hans sene værker Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) og L'incoronazione di Poppea (1643) er højdepunkter i operahistorien med hensyn til deres drama. Selv i denne sidste opera Monteverdis L'incoronazione di Poppea finder man prologen med tre allegoriske figurer vist i Fortuna, der spottes med Virtù . Resten af ​​handlingen finder sted i den jordiske verden omkring den romerske kejser Nero , hans elskede kone Ottavia og Poppea , hustruen til pretor Ottone . Dette bliver Neros kone og kejserinde. Neros brutale karakter er repræsenteret af en castrato og tilsvarende virtuøs musik, derimod ser Ottone blød ud, og Neros værdige lærer og rådgiver Seneca får basstemmen. Bel canto sang og coloratura rigdom bruges til adel og guder, for resten af ​​folket mere enkle ariosier og sange.

17. århundrede

Italien

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

I 1637 blev Teatro San Cassiano i Venedig åbnet som det første offentlige operahus. Nye spillesteder blev oprettet hurtigt efter hinanden, og Venedig med sin "venetianske opera" blev det nordlige Italiens operacenter. Historiske repræsentationer fortrængte snart de mytiske emner, som i operaen L'incoronazione di Poppea (1642), som stadig bærer navnet Claudio Monteverdis, skønt forskning siden Alan Curtis har diskuteret, om det snarere er en pasticcio, der er brugt af berømte navne .

Publikum til disse operaer var hovedsageligt sammensat af medlemmer af de ikke-aristokratiske klasser. Spilplanen blev bestemt af det økonomiske aristokrati baseret på offentlighedens smag . I denne sammenhæng blev operaen, der opstod fra akademierne, kommercialiseret og forenklet, og orkestret blev reduceret. Den da capo arie indledes med en recitativ formet solosang i lang tid, blev kor og ensembler forkortet. Fejl og intriger dannede den grundlæggende struktur for plottet, som blev beriget med komiske scener fra de populære mindre karakterer. Francesco Cavalli og Antonio Cesti var de mest berømte venetianske operakomponister i den generation, der fulgte Monteverdi. Forfatterne Giovanni Francesco Busenello og Giovanni Faustini blev betragtet som stilformende og blev ofte efterlignet.

Siden 1650'erne blev byen Napoli det andet operacenter i Italien, stærkere påvirket af aristokratiets smag. Komponisten Francesco Provenzale anses for at være grundlæggeren af ​​den napolitanske opera . I den følgende generation blev Alessandro Scarlatti en pioner for den napolitanske skole .

De librettister fik deres penge ved at sælge lærebøger, som er blevet distribueret sammen med vokslys til at læse sammen før forestillingen. I lang tid forblev litteraturen fra renæssancens humanisme model for italienske opera tekster.

Opera blev kun givet på bestemte årstider (italiensk: stagione ): i løbet af karnevalet, fra påske til sommerferien og fra efteråret til advent. I stedet blev oratorier spillet under lidenskabs- og adventssæsonen . I Rom fik ikke kun maskineffekter og kor større vægt, men også spirituelle forhold.

Paris

I Paris , Jean-Baptiste Lully og hans librettist Philippe Quinault udviklet en fransk version af operaen, den mest fremragende funktion af som ud over de kor, er ballet . Lully skrev en fransk version af Cavallis L'ercole amante (1662), hvor han indsatte balletter, der var mere rost end opera. Cadmus et Hermione (1673) betragtes som den første tragédie lyrique og forblev en model for efterfølgende franske operaer.

Operaen importeret fra Italien blev skubbet tilbage af tragédie lyrique. Ikke desto mindre forsøgte Lullys efterfølgere Marc-Antoine Charpentier og André Campra at kombinere franske og italienske stilindretninger.

Tysk sprogområde

Baseret på italienske modeller udviklede en uafhængig operatradition inden for det tysktalende område allerede i midten af ​​det 17. århundrede, som også inkluderer brugen af ​​tysksprogede libretti.

Den første opera af en "tysk" komponist var den (tabte) Dafne af Heinrich Schütz i 1627, som havde lært den musikalske form for opera at kende under sit studieophold i Italien fra 1609 til 1613. Kun få år senere blev den første overlevende tysksprogede opera af Sigmund Theophil Staden skrevet i 1644, baseret på en libretto af Georg Philipp Harsdörffer. Det åndelige skovdigt eller glæde-spil, kaldet Seelewig , et pastoralt didaktisk stykke i umiddelbar nærhed af moraliserende skoledrama fra renæssancen.

Kort efter trediveårskrigen etablerede operahuse i de tysktalende lande sig i stigende grad som centrale mødepladser for de førende sociale klasser. De førende hertuglige og kongelige huse spillede en central rolle og gav i stigende grad deres egne hoffteatre og de tilknyttede kunstnere, som normalt også var åbne for den (velhavende) offentlighed. München modtog sit første operahus i 1657 og Dresden i 1667.

Almindelige, d. H. “Offentlige og populære” operahuse finansieret af byer og / eller private borgerlige skuespillere, som dem i Venedig, eksisterede kun i Hamborg (1678), Hannover (1689) og Leipzig (1693). I bevidst modsætning til operationen ved de "ædle" huse, der er domineret af italiensksprogede operaer, stod især Hamburg- operaen på Gänsemarkt , som Tysklands ældste borgerlige operahus, bevidst på tysk-sprogede værker og forfattere. Ligesom Handel , Keizer , Mattheson og Telemann . Fra begyndelsen af ​​det 18. århundrede etablerede disse en uafhængig tysksproget opera og sangspilstradition ved hjælp af tysksprogede libretti af digtere som Elmenhorst , Feind , Hunold og Postel . Hamborgs betydning for udviklingen af ​​en uafhængig tysk-sproget operatradition understreges også af de to nutidige skrifter om teorien om opera: Heinrich Elmenhorsts Dramatologia (1688) og Barthold Feinds Gedancken fra Operaen (1708).

England

I England spredte operaen sig relativt sent. Den fremherskende musikteaterform på tidspunktet for det elisabetanske teater var masken , en kombination af dans, pantomime, taleteater og musikalske mellemrum, hvor teksten, der blev sat til musik, normalt ikke var direkte relateret til handlingen. Efter det puritanske forbud mod musik og teaterforestillinger i 1642 var det først i Stuart-restaureringen, der begyndte i 1660, at der blev etableret et teaterliv igen, hvor opera blev integreret.

Henry Purcells en times opera Dido og Aeneas (premiere sandsynligvis 1689, libretto: Nahum Tate ) er et unikt værk i enhver henseende . Komponisten optager elementer fra fransk og italiensk opera, men udvikler sit eget tonesprog, der frem for alt er kendetegnet ved, at det forbliver meget tæt på teksten. Korpassager og danseafsnit står i kontrast til arioso-passagerne fra hovedpersonerne, som klarer sig næsten uden arialignende former. De skiftende stemninger og situationer gengives nøjagtigt med musikalske midler; den sidste scene, når den kartagagiske dronning Dido dør af et knust hjerte på grund af en ulykkelig kærlighed til den trojanske helt Aeneas , er en af ​​de mest bevægende i opera litteraturen.

18. århundrede

Generel udvikling

I løbet af det 18. århundrede opstod to typer operaer: Ud over den etablerede opera seria som en form, der primært blev understøttet af adelens behov for repræsentation og legitimering, der hovedsagelig er baseret på mytologisk eller historisk materiale og dets personale sammensat af guder, halvguder, helte, prinser og deres egen elskede og deres tjenere udvikler opera buffa sig omkring 1720 med oprindeligt grove tegneserier, der udvikler sig til borgerligt-sentimentale.

I Frankrig er konkurrence med italienske operaer på den ene side den høflige tragédie lyrique med dens mere fulde instrumentering sammenlignet med ældre italienske operaer og på den anden side den opéra-comique , der kommer fra det parisiske tivoli . Disse genrer tilskynder også til operaoptræden på deres eget sprog uden for Frankrig som en lokal modvægt til de allestedsnærværende italienske virtuoser.

Marco Ricci : Opera-repetition , 1709

Den stildefinerende tendens i Italien i andet kvartal af det 18. århundrede til at gøre den originale dramma per musica til en aria-koncert eller en nummeropera med fast indhold og musik. En anden central udvikling i første halvdel af det 18. århundrede er opdelingen af da capo-arier , der er vokset til fem dele med sekvensen AA'-B-AA 'i specifikke undergrupper:

  • Aria di bravura (bravura aria ) med overdådig koloratura;
  • Aria cantabile med smukke linjer;
  • Aria di mezzo carattere med karakteristisk orkesterakkompagnement;
  • Aria concertata med koncertinstrumenter;
  • Aria parlante , der beskriver voldsomme udbrud af følelser.

Aftens stjerne var også i stand til at indsætte en virtuos aria baule ("kuffert aria"), der ikke havde noget at gøre med handlingen. Sådanne arier kunne let udveksles eller bruges flere gange. Den bel canto -Gesang indgik de ekstreme høje toner, smidige triller og lang springer til en præsentation virtuos vokal teknikker.

Pasticcio

Fordi begrebet troskab til værket endnu ikke blev etableret i det 18. århundrede, og klienten og publikum altid ville have nye, aldrig før hørte operaer, og fordi mange operaselskaber ofte kun havde begrænsede ressourcer til instrumentalister og sangere, var der udbredt performance praksis i det 18. århundrede i at sammensætte arier og ensembler fra forskellige værker så effektivt som muligt, afhængigt af den eksisterende opstilling, og understrege en sådan sekvens af musikalske numre med nye tekster og en ny plot. Denne type opera blev kaldt pasticcio ; En opera pasticcio kunne komme fra en enkelt komponists pen, der genbrugte eksisterende numre fra tidligere værker, eller den kunne være sammensat af værker af forskellige komponister. Denne praksis betød, at plottet og stemningen i en operaforestilling ikke var fastgjort til slutningen af ​​det 18. århundrede - og på nogle steder endda i 1830'erne - og var underlagt konstante tilpasninger, ændringer og ændringer. Praksis med pasticcio betød, at op til begyndelsen af ​​det 19. århundrede næppe nogen fremførelse af det samme værk var musikalsk eller med hensyn til indhold svarende til et tidligere.

Nummeropera

Det resulterende kaos - genereret af strategien om at imødekomme forskellige forventninger på samme tid - frastød de italienske librettister Apostolo Zeno og Pietro Metastasio . Som en modforanstaltning, fra slutningen af ​​1730'erne og fremefter, blev de i stigende grad undladt overflødige sidegrundlag, mytiske allegorier og sekundære tegn og foretrak i stedet et klart, forståeligt plot og sprog. Dermed skabte de grundlaget for en “mere seriøs” type opera ud over den sædvanlige performance-praksis i opera seria . Plotskemaet, der er udviklet til dette formål, vikler gradvist hovedpersonerne i et tilsyneladende uopløseligt dilemma, der i slutningen viser sig at være godt på grund af en uventet idé ( lieto fine ). Begge forfattere indledte en fornyelse af operaen poetisk. Mod pasticcio 's vilkårlighed nummererede de de musikalske dele, hvilket gjorde det vanskeligt at udveksle dem. På denne måde bidrog de betydeligt til udviklingen af nummeroperaen med dens faste rækkefølge. Som et selvstændigt værk med et stringent plot var operaen nu i stand til at holde sig mod dramaet .

Opera buffa

Genren af opera buffa opstod samtidigt i Napoli og Venedig som en mest munter og realistisk type opera. På den ene side var der uafhængige musikalske komedier, på den anden side komiske mellemrum til opera seria i begyndelsen af ​​1730'erne, hvorfra Apostolo Zeno og Pietro Metastasio havde udelukket de komiske elementer, så de skulle begrænses til mellemliggende mellem handlingerne. Operaen Lo frate 'nnamorato af Giovanni Battista Pergolesi , havde premiere den 28. september 1732 på Teatro dei Fiorentini i Napoli og værkerne af Baldassare Galuppi , som havde premiere i Venedig i midten af ​​1740'erne og blev skabt i tæt samarbejde med Carlo Goldoni , betragtes som stilistiske værker .

Med hensyn til indhold trak Opera Buffa sig fra den rige fond af Commedia dell'arte . Handlingerne var ofte blandede komedier, hvis personale bestod af et ædelt par elskere og to underordnede, ofte tjenestepiger og tjenere. I modsætning til opera seria kan sidstnævnte fremstå som hovedaktører, som et borgerligt og subborgerligt publikum kunne identificere sig med. Opera buffa blev også værdsat af aristokratiet, der næppe tog deres provokationer alvorligt.

Udvikling af Opera buffa til Opera semiseria

Fra midten af ​​det 18. århundrede begyndte komedie at skifte i opera buffa til hverdagslige og nutidige handlinger, hvor adelige ikke længere var usårlige. Mozarts Don Giovanni (1787) blev oprindeligt betragtet som en opera buffa og blev ikke fortolket før i det 19. århundrede, da den forførte borgerliges skæbne kunne tages alvorligt og den ædle forfører kunne ses som en skurk.

Et udtryk for disse ændringer er den videre udvikling af opera buffa til typen af opera semiseria i slutningen af ​​det 18. århundrede, fordi et borgerligt publikum ikke længere ville se sig grine af på scenen. Den daglige nærhed af opera buffa og dens franske modstykke, opéra-comique , var socialt eksplosiv i anden halvdel af det 18. århundrede. Relateret til dette var Buffonist-tvisten, der fandt sted i Frankrig fra 1752 til 1754 . Jean-Jacques Rousseau værdsatte den borgerlige "munter" opera mere end det høje aristokratis tragédie lyrique. Hans fordømmelse af fransk opera til fordel for italiensk førte til vrede reaktioner.

England

I den engelsktalende verden blev Georg Friedrich Händel (anglicized George Frideric Handel) en af ​​de mest produktive operakomponister (mere end 45 operaer). Hans arbejde i London havde blandt andet ikke den ønskede forretningssucces. på grund af den stærke konkurrence fra den berømte castrato Farinelli , der sang i det rivaliserende operakompagni, og ødelæggende gebyrer for de engagerede primadonnaer. I det 20. århundrede vendte især Alcina , Giulio Cesare og Serse tilbage til repertoiret, og i de seneste årtier mange andre Handel-operaer (herunder Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Efter at den historiske præstationspraksis var blevet bedre undersøgt i løbet af den tidlige musikbevægelse , blev der også lavet stildefinerende produktioner i de store operahuse ved hjælp af barokspecialister .

Jean-Michel Moreau : scene for Le devin du village (1753)

Frankrig

Den franske modstykke til den kontroversielle opera buffa i Paris var Opéra-comique . Recitativerne er blevet erstattet af talte dialoger. Denne model mødtes også med succes i udlandet. Den nye enkelhed og nærhed til livet afspejles også i mindre arietas og nouveaux air , som i modsætning til de velkendte vaudevilles var nykomponerede.

I 1752 oplevede Frankrig en ny konfrontation mellem fransk og italiensk opera, der gik i historien som buffoniststriden . Giovanni Battista Pergolesis opera La serva padrona (tysk: Jomfruen som elskerinde ) var anledningen til dette. Mod kunstfærdigheden og stiliseringen af ​​den traditionelle franske aristokratiske opera, især Jean-Jacques Rousseau og Denis Diderot , som forsvarede sig mod kunsten og stiliseringen af Rameau's . Ud over den bevidst enkle opera Le devin du village (tysk: Der Dorfwahrsager ) skrev Rousseau også en prisvindende afhandling med titlen Discours sur les sciences et les arts (1750), hvor han erklærer et liv uspoleret af videnskab og kultur til være det ideelle. Han skrev andre musikartikler til den berømte omfattende encyklopedi af den franske oplysning. Buffoniststriden gik i sidste ende til skade for den italienske operatruppe, som blev udvist fra byen. Striden var således forbi for tiden, men Grand Opéra var stadig bagud på Opéra comique med hensyn til popularitet.

Tysk sprogområde

Schikaneder som den første Papageno , 1791

Lukningen af ​​operaen på Gänsemarkt i 1738 førte til en yderligere styrkelse af den italiensktalende operavirksomhed i det tysktalende område, som allerede var dominerende på det tidspunkt. Med udgangspunkt i Hamburg-modellen blev praksis med at oversætte recitativerne til tysk til opførelser af franske og italienske operaer og - af hovedsagelig musikalske grunde - kun at opretholde ariernes originalsprog i stigende grad etableret fra midten af ​​det 18. århundrede. Fra midten af ​​det 18. århundrede blev salg eller distribution af trykte forklaringer og oversættelser af ikke-tysksprogede værker på tysk til offentligheden mere og mere almindeligt.

Omkring 1780, med Wolfgang Amadeus Mozarts arbejde, begyndte en udvikling, der varede langt ind i det 19. århundrede, hvilket førte til den stigende fortrængning af den tidligere dominerende italienske til fordel for tysksprogede værker og forestillinger i tysk oversættelse. Hermed fandt Mozart sin helt egen måde at håndtere traditionen med italiensk opera på. I sine tidlige år var han flere gange succesrig i Italien (inklusive med Lucio Silla og Mitridate, re di Ponto ) og komponerede sit første mesterværk for München med Idomeneo (1781), en opera seria også skrevet på italiensk . Han skulle vende tilbage til denne form med La clemenza di Tito (1791) kort før sin død. Efter de musikalske skuespil Bastien og Bastienne , Zaide (fragment) og Die Entführung aus dem Serail (med denne opera havde premiere i 1782 lykkedes det ham at etablere sig som freelance komponist i Wien) gjorde han det i sin Figaro (1786) og endnu mere i Don Giovanni (1787), Opera Seria og Opera Buffa kommer tættere på hinanden igen. Ud over det sidstnævnte blev et tredje værk oprettet i 1790 i et behageligt samarbejde med librettisten Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . I Der Zauberflöte (1791) kombinerede Mozart elementer fra operaen med Singspiel og det lokalt fremherskende gamle wienske magiske teater , som især fik sin virkning fra spektakulære sceneeffekter og et eventyrligt plot. Der var også ideer og symboler fra frimureriet (Mozart var selv medlem af lodgen). Mozart-operaer (og især Tryllefløjten ) er stadig en del af ethvert operahuss standardrepertoire. Han beskrev selv operaen som en "stor opera i 2 akter".

Opera reform

Titelvignet til Orfeo ed Euridice (Paris 1764)

Christoph Willibald Gluck , der også arbejdede i Italien og Wien, ledede en omfattende operareform med sine operaer Orfeo ed Euridice (1762) og Alceste (1767), hvor han kombinerede elementer af seriøs opera fra Italien og Frankrig med det mere realistiske niveau af handling af opera buffa a. Det konsekvent klare og logisk strukturerede handlingsforløb, designet af Ranieri de 'Calzabigi , klarer sig uden komplekse intriger eller forvirringsdrama. Antallet af hovedpersoner er faldende. Det primære mål er større enkelhed og sporbarhed af plottet.

Glucks musik er fuldstændig underordnet dramaturgien og teksten, karakteriserer situationer og mennesker og står ikke for den bel canto, der synger selv. Grundigt komponerede eller strofiske sange erstattede da capo-arien. Dette opnåede en ny naturlighed og enkelhed, der modvirkede hule patos og sanger manerer. I overensstemmelse med den gamle model deltog koret aktivt i handlingen. Ouverturen vedrører handlingen og er ikke længere et fritliggende instrumentalt stykke før operaen. Italiensk arioso, fransk ballet og pantomime, engelsk og tysk sang samt vaudeville blev integreret i operaen, ikke som individuelle stykker, der stod side om side, men som en ny klassisk stil. Glucks æstetiske ideer blev bragt til en ny blomst af hans studerende Antonio Salieri i slutningen af ​​det 18. århundrede. Operaerne Les Danaïdes , Tarare og Axur, re d'Ormus er særligt vigtige .

Forsvinden af ​​castrati-spil

Et andet udtryk for den større nærhed til hverdagslivet for opera buffa og de innovationer i opera-reformen, der blev foreslået af Christoph Willibald Gluck, er den praksis, der begyndte i anden halvdel af det 18. århundrede at give afkald på høje castrato-roller for mandlige roller til fordel for mere realistiske stemmer. Ud over den bevidste afgrænsning fra opera-kulturen for adelens opera seria , som er stærkt påvirket af castratis virtuositet , spillede omkostningsårsager en afgørende rolle i dette. Da impresarios satte opera buffa mod et mindre velhavende borgerligt og subborgerligt publikum, kunne de forfærdelige omkostninger mod en velkendt castratos gebyr næppe optjenes. Den resulterende identifikation af den virtuose kultur af castrato-roller med den dyre tradition for operaen seria, som blev formet af adelen, forklarer også castratiens forsvinden fra operavirksomheden efter afslutningen af Ancien Régime og den deraf følgende stigning i de "mere naturlige" stemmer i opera buffa og Opera semiseria dannede middelklassen til den sociale klasse i det 19. århundrede, som også var førende inden for opera.

19. århundrede

Generel udvikling

I første kvartal af det 19. århundrede forsvandt recitativerne ledsaget af den regnede bas i stigende grad til fordel for en noteret orkesterversion. Ud over de førende italienske operaer og de franske operatyper dukkede andre nationale operaformer gradvist op, først i Tyskland. Den franske revolution og fremkomsten af Napoleon viste deres virkninger på operaen tydeligst i Ludwig van Beethovens eneste opera Fidelio og Leonore (1805, 1806 og 1814). Dramaturgien og det musikalske sprog var tydeligt baseret på Luigi Cherubinis Médée (1797). Handlingen er baseret på en "fait historique" af Jean-Nicolas Bouilly , som blev komponeret i 1798 af Pierre Gaveaux under titlen Léonore, ou L'amour conjugal ; idealerne for den franske revolution udgør derfor også baggrunden for Beethovens opera. Fidelio kan tælles med til typen af ​​" redningsoperaen ", hvor den dramatiske frelse for en person fra stor fare er genstand. Værket er formelt inkonsekvent: den første del er som en sang, den anden med den store korfinal opnår symfonisk effekt og nærmer sig oratoriet . Efter Tryllefløjten og Fidelio havde tysk produktion brug for flere forsøg på endelig at udvikle sit eget opera sprog i den romantiske æra. En af de vigtigste indledende faser til dette blev leveret af ETA Hoffmann med sin romantiske opera Undine og Louis Spohr med sin indstilling af Faust (begge 1816).

Tysk sprogområde

Fierrabras af Franz Schubert , Salzburg Festival 2014

Når alt kommer til alt var det Carl Maria von Weber, der fra Singspiel 's tradition bragte tysk opera til live i form af Freischütz i orkestret i 1821 med en masse dramatisk farverig farve . Hans værk Oberon (London 1826), som næppe blev spillet på grund af den dårlige tekstbog, tillagde orkesteret så stor betydning, at kendte komponister som Gustav Mahler , Claude Debussy og Igor Stravinsky senere henviste til det.

Andre komponister fra den tyske romantiske æra var den meget romantiske Franz Schubert ( Fierrabras , komponeret 1823, premier 1897), hvis venner ikke kunne give ham en behagelig tekst, og Robert Schumann , der med indstillingen af Genoveva- materialet , som var populært blandt romantikere præsenterede kun en Opera (1850). Også værd at nævne er Heinrich Marschner , der udøvede stor indflydelse på Richard Wagner med sine operaer om overnaturlige begivenheder og skildringer af naturen ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing med sine spilleoperaer (inklusive Zar og Zimmermann , 1837 og Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow med sin tegneserieopera Martha (1847) og til sidst Otto Nicolai , der bragte noget "italianità" til tysk opera med Lustige Frau von Windsor (1849).

Richard Wagner omformede endelig operaen så grundlæggende efter hans ideer, at de ovennævnte tyske komponister pludselig forsvandt ved siden af ​​ham. Med Rienzi (1842) havde den hidtil temmelig ulykkelige Wagner sin første succes i Dresden; det blev senere overgået af The Flying Dutchman (1843). På grund af sit engagement i martsrevolutionen i 1848 i Dresden måtte Wagner gå i eksil i Schweiz i mange år. Hans senere svigerfar, Franz Liszt , bidrog til , at Wagner stadig var til stede i Tyskland med verdenspremieren på Lohengrin (1850) i Weimar . Med støtte fra den unge bayerske konge Ludwig II var Wagner endelig i stand til at realisere den længe værdsatte plan for Ring des Nibelungen , som han fik Bayreuth Festival Theatre bygget til, hvor kun hans værker spilles den dag i dag.

Richard Wagner

Wagners grundlæggende innovation bestod i den fuldstændige opløsning af nummeroperaen. Der var allerede tendenser til en grundigt sammensat opera i Webers Freischütz eller i Robert Schumanns sjældent spillede Genoveva (1850). Denne udvikling blev kun konsekvent afsluttet af Wagner. Derudover behandlede han vokale dele og orkesterpartier på lige fod. Orkestret ledsager ikke længere sangeren, men fungerer som en “ mystisk afgrund ” i forskellige forhold til det, der synges. Længden af ​​Wagners operaer kræver meget koncentration og udholdenhed fra sangere og lyttere. Temaerne i hans - med undtagelse af nogle få tidlige værker og Meistersinger  - konsekvent seriøse operaer, hvis librettoer han helt skrev om, er ofte forløsning gennem kærlighed, afkald eller død.

I Tristan und Isolde (1865) flyttede Wagner i vid udstrækning dramaet til det psykologiske indre af hovedpersonerne, som han derefter var i stand til at belyse med sin musik - operaens ydre plot på den anden side er usædvanlig begivenhedsfri. Designet af dette ”oceaniske” interiør tjente også harmonikerne, som med “ Tristan-akkorden ” skubbede de harmoniske regler, der indtil videre havde været gyldige, i baggrunden og dermed faldt ind i musikhistorien. Musikalsk karakteriseres Wagners operaer både af hans geniale behandling af orkestermiljøet, som også udøvede en stærk indflydelse på datidens symfoniske musik op til Gustav Mahler , og af brugen af ​​tilbagevendende motiver, de såkaldte leitmotiver , der handler om med figurer og situationer, individuelle udtryk eller med visse ideer. Med Ring des Nibelungen (komponeret 1853–1876), den mest berømte operacyklus i fire dele (dermed også bare kaldet "tetralogien") med en samlet forestillingstid på omkring 16 timer, skabte Wagner en monumental musikalsk og dramatisk realisering af hans opera og drama (1852) udviklede en reform af den traditionelle opera. Den Parsifal stadie indvielse festival var den sidste af hans operaer, som delte musikverdenen i to lejre og vakte både efterlignere ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss før hans Salome ) og skeptikere - især i Frankrig.

Frankrig

I Frankrig var formen for opéra-comique , der blev udviklet i anden halvdel af det 18. århundrede, oprindeligt fremherskende . Daniel-François-Esprit Auber lykkedes med sin opera La muette de Portici (1828), hvis titelheltinde blev portrætteret af en ballerina, der forblev tavs, forbindelsen til Grand opéra ("stor opera"). Dramatikeren Eugène Scribe blev deres førende librettist. I Grand Opéra kom ud over indviklingen af ​​den typiske opera-kærlighedshistorie historisk-politiske motiver frem, som det tydeligt blev vist i Rossinis sidste opera, Guillaume Tell (1829). Den mest succesrige repræsentant for Grand Opéra var Giacomo Meyerbeer med sine værker Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) og Le prophète (1849), som blev spillet i det internationale repertoire i årtier og ind i det tidlige 20. århundrede. Andre vigtige eksempler er La Juive (“The Jewess”, 1835) af Halévy , Donizettis Dom Sébastien (1843) eller Verdis Don Carlos (1867).

Fra omkring 1850 fusionerede Opéra comique og Grand opéra til en ny form for opera uden dialoger. I 1875 skrev Georges Bizet sit mest kendte sceneværk Carmen som Opéra comique, hvis recitativer kun blev tilføjet posthumt af Ernest Guiraud . Hvis værkets "realistiske" plot og tone ikke stemmer overens med en storslået opéra, modsiger den tragiske afslutning, der oprindeligt forårsagede en fiasko ved premieren, den opéra comique. Yderligere eksempler på blanding af opéra comique og grand opéra er Charles Gounods Faust (1859) - her bruges udtrykket drame lyrique for første gang - og Jacques Offenbachs Les contes d'Hoffmann ( Hoffmanns historier , 1871-1880).

Rusland

Endelig kom Rusland på scenen med sine første nationale operaer, næret ved at importere andre succeser fra Vesten. Michail Glinka komponerede operaen Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, tysk: Et liv for tsaren , omdøbt til Iwan Sussanin i Sovjetunionen ) i 1836 . Værket har et russisk emne, men musikalsk er det stadig stærkt påvirket af vestlige påvirkninger. Hans mest berømte opera Ruslan og Lyudmila udøvede stor indflydelse på de følgende generationer af russiske komponister. Beskeden Mussorgsky brød sig endelig væk fra vestlige påvirkninger med Boris Godunov (1874) efter et drama af Alexander Pushkin . Selv Borodins prins Igor (1890) førte yderligere Glinkas arv. Pyotr Tchaikovsky stod mellem russiske traditioner og den vestlige verden, og sammen med Eugene Onegin (1879) og dronningen af ​​sparerne (1890) designede han kærlighedsdramaer med borgerligt personale, som begge også er baseret på en model af Pushkin.

Bøhmen

I Bøhmen var Bedřich Smetana og Antonín Dvořák de hyppigst opførte komponister af Prags Nationalopera, som begyndte med Smetanas Libuše (1881) i det nye Nationalteater i Prag. Den solgte brud (1866) af den samme komponist blev et eksporthit. Dvořaks opera Rusalka (1901) kombinerede folkesagn og tyske eventyrkilder til en lyrisk eventyropera. Bohuslav Martinů og Leoš Janáček fortsatte deres bestræbelser. Sidstnævnte komponist er blevet genopdaget i sin modernitet i de seneste årtier og har i stigende grad erobret repertoiret. Mens The Cunning Little Vixen (1924) stadig mest udføres i den tyske oversættelse af Max Brod , udføres andre værker som Jenfa (1904), Káťa Kabanová (1921) eller Věc Makropulos (1926) i stigende grad i den originale tjekkiske version; dette er vigtigt, fordi Janáčeks tonalsprog er tæt baseret på hans modersmåls fonetik og prosodi .

Italien

Fra 1813, da hans operaer Tancredi og L'italiana blev fremført i Algeri , faldt Italien i hænderne på den unge og ekstremt produktive bel canto- komponist Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. The Thieving Magpie ) og La Cenerentola (begge 1817) baseret på Cinderella eventyret af Charles Perrault kan findes i det almindelige repertoire af operahuse den dag i dag. Fjedrende rytme og en strålende og vittig orkestrering samt en virtuel behandling af sangstemmen gjorde Rossini til en af ​​de mest populære og ærede komponister i Europa. Rossini skrev de improviserede dekorationer af sangere, der hidtil stadig var almindelige i hans roller, ned og forhindrede således overdreven improvisationer. Han realiserede en ny formel idé med sin scena ed aria , som lempede den stive vekslen mellem recitativ og aria og alligevel opretholdt princippet om nummeropera. Derudover skrev Rossini et antal operaserier (fx hans Otello , 1816 eller Semiramide , 1823). I 1824 rejste han til Paris og skrev vigtige værker til Opéra. Han skrev en politisk grand opéra om William Tell ( Guillaume Tell , 1829), som blev forbudt i Østrig og udført på forskellige europæiske steder i en uskadelig version med andre hovedhelte.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti, synger kvartetten "Bella figlia dell'amore" fra Verdis Rigoletto

Rossinis yngre samtidige og efterfølgere kopierede oprindeligt hans coloratura-stil, indtil især Vincenzo Bellini og Gaetano Donizetti formåede at frigøre sig fra den overvældende model med deres egen, noget enklere, mere udtryksfulde og romantiske stil. Bellini var berømt for den udtryksfulde og sofistikerede deklamering af sine recitativer og de "uendeligt" lange og ekspressive melodier fra hans operaer, såsom Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), og især Norma (1831). Bellini skrev titlerollen for denne opera med den berømte aria "Casta diva", ligesom Amina i La sonnambula , for den store sanger Giuditta Pasta . Normaen er så krævende, at den kun kan synges og fortolkes af meget få store sangere; den blev revet fra glemsel igen af Maria Callas ' historiske fortolkning .

Donizetti, der var et par år ældre end ham, var en ekstremt hårdtarbejdende komponist, der blev den mest succesrige italienske operakomponist sammen med Bellini og især efter hans utidige død (1835). Han fik sit første store gennembrud med Anna Bolena (1830), hvis titelrolle også blev skabt af Pasta og genopdaget af Callas. På den anden side er Lucia di Lammermoor (1835) med den berømte gale scene rig på farver aldrig forsvundet helt fra repertoiret og forbliver sammen med de muntre operaer L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) og La fille du régiment (1840) konsekvent på repertoiret af operahuse.

Bellinis brede melodibuer gjorde et stærkt indtryk på den unge Giuseppe Verdi . Siden sin tredje opera, Nabucco , blev han betragtet som en national komponist for Italien, som stadig blev styret af Habsburgerne . Koret “Va, pensiero, sull 'ali dorate” udviklede sig til landets hemmelige nationalsang . Musikalsk er Verdis musik præget af en stærkt fremhævet, klar rytme, over hvilken enkle, ofte ekstremt udtryksfulde melodier udvikles. I sine operaer, hvor Verdi med et umiskendeligt teaterinstinkt ofte bidrog til lærebogen selv, indtager kor scener oprindeligt en vigtig position. Verdi opgav i stigende grad traditionel nummeropera; Konstant følelsesmæssig spænding krævede en varieret blanding af de enkelte scener og arier. Med Macbeth vendte Verdi sig endelig væk fra nummeropera og fortsatte på sin vej til intim skildring af enkeltpersoner. Med La traviata (1853, baseret på romanen Lady of the Camellias fra 1848 af Alexandre Dumas den Yngre , der drejer sig om den autentiske figur af kurtisanen Marie Duplessis ) bragte han for første gang et moderne emne til opera-scenen, men blev tvunget af censurerne til at stoppe plottet for at flytte fra nutiden. Verdi satte ofte litterære kilder til musik, for eksempel af Friedrich Schiller (fx Luisa Miller efter Kabale und Liebe eller I masnadieri efter Die Räuber ), Shakespeare eller Victor Hugo ( Rigoletto ). Med sine bidrag til Grand Opéra skrevet til Paris (fx Don Carlos , 1867) fornyede han også denne form og tog elementer af Richard Wagners musikdrama sammen med den afdøde Otello, indtil han kom op med den overraskende komedie Falstaff (1893; poesi i begge Cases af Arrigo Boito ) komponerede sin sidste af næsten 30 operaer i en alder af 80 år. Sandsynligvis hans mest populære opera er Aida , skrevet i 1871.

Århundredskiftet

Francisca Pomar de Maristany synger "Vissi d'arte" fra Giacomo Puccinis Tosca - optagelse fra 1929

Efter Verdi trak sig tilbage, erobrede de unge Verists (ital. Vero = sand) scenen i Italien. Ubeautificeret naturalisme var et af deres højeste æstetiske idealer - derfor blev pænt skrevne vers afstået fra. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) og Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) var de mest typiske komponister i denne periode. På den anden side voksede Giacomo Puccini i berømmelse langt ud over hende og er stadig en af ​​de mest udførte operakomponister den dag i dag. La Bohème (1896), et moralsk maleri fra Paris ved århundredskiftet, den "politiske thriller" Tosca (1900, baseret på dramaet med samme navn af Victorien Sardou) og den fjerne østlige Madama-sommerfugl (1904), med den ufærdige Turandot (uropført posthumt i 1926) stadig omkring en anden øget i eksotisme, er blevet hits, hovedsagelig på grund af deres melodier. Puccini var en fremtrædende teaterkunstner og vidste nøjagtigt, hvordan man skulle skrive til stemmen; instrumenteringen af ​​hans partiturer, for det meste sat til et stort orkester, er meget differentieret og mesterlig. I øjeblikket genopdages den italiensk-tyske komponist Alberto Franchetti , som på det tidspunkt var meget populær , modvilligt på trods af hans tre verdenssucceser ( Asrael , Christoforo Colombo og Germania ). Forpligtet til et andet musikaldramatisk ideal end Veristen var Alfredo Catalani , som var aktiv på samme tid, og hvis værker, som er meget populære blandt offentligheden, også er ispedd fantastiske ting. Hans sidste og nu bedst kendte opera, La Wally, baseret på romanen Die Geier-Wally af Wilhelmine von Hillern , havde premiere den 20. januar 1892 på Teatro alla Scala i Milano.

Tidligt i det 20. århundrede

Mary Garden som Melisande

Frankrig

Det lykkedes endelig Claude Debussy at befri sig fra tyskernes indflydelse og skabte med Pelléas et Mélisande i 1902 et af de mest nyanserede eksempler på den ledmotivteknik, der blev vedtaget af Wagner . Maurice Maeterlincks originale tekst tilbød mange tvetydige symbolik, som Debussy vedtog i orkestersproget. Næsten alle vokaldelene blev designet som recitativ og tilbød et modeksempel til Wagners "uendelige melodi" med "uendelig recitativ". En af de sjældne undtagelser, der tilbyder lytteren en vokal linje, er den enkle sang fra Mélisande, som på grund af sin kortfattethed og mangel på dekoration næppe kan betragtes som en ægte aria.

Wienerskole

Efter Richard Strauss , der først blev en senromantisk expressionist med Salome og Elektra , men derefter vendte tilbage til tidligere kompositionstile med Der Rosenkavalier, og en række værker spilles meget med en række værker den dag i dag (fx Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow og Die Schweigsame Frau ), kun få komponister formåede at finde en permanent plads på operahusets repertoire. I stedet blev (og vedligeholdes) fortidens værker vedligeholdt. Inkluderingen af ​​et moderne værk i standardrepertoiret forbliver undtagelsen.

Det lykkedes Alban Berg at gøre dette med sine operaer Wozzeck , som blev lagt som en fri-tonal, og Lulu , der bruger tolvtonemusik helt. Det første fragment af Lulu blev afsluttet i sin tre-akter-form af Friedrich Cerha til Paris-forestillingen under Pierre Boulez og Patrice Chéreau . Af begge operaer, især Wozzeck, hvor stykkets indhold og musikalske vision finder en enhed, har nu fundet vej ind i det velkendte operarepertoire i utallige produktioner på store og små scener rundt om i verden og har opnået en ubestridt position. Det er meget ens med Lulu, som dog ofte kun kan mestres af større faser på grund af den indsats, der er involveret i arbejdet. Imidlertid inspirerer hun regelmæssigt vigtige tolke som Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas eller Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Af Arnold Schoenberg, der regelmæssigt er monodrama forventning  den første opera for en sanger - - og den bevidst ufærdige af den komponist, der er efterladt, stillede de højeste krav til korets næstgrænsearbejde Moses og Aaron . Forventning, skrevet så tidligt som i 1909, men kun premiere i Prag i 1924 med Marie Gutheil-Schoder under ledelse af Alexander von Zemlinsky , demonstrerede en særlig fascination for sangere (især Anja Silja og Jessye Norman ) såvel som for instruktører i årene efter 2. verdenskrig (fx Klaus Michael Grüber med Silja 1974 i Frankfurt; Robert Wilson med Norman 1995 ved Salzburg Festival ). I 1930 begyndte Schönberg at arbejde på Moses og Aron, som han brød af i 1937; Efter sin iscenesatte premiere i Zürich i 1957 har denne opera vist sin særlige egnethed til scenen i adskillige internationale forestillinger, især siden 1970'erne. Det er også interessant, at Moses bruger en talt sang gennem hele operaen, hvis tonehøjde er forudbestemt, mens Aron synger.

Yderligere udvikling inden for det tysktalende område

Ellers efterlod Wienerskolen ingen spor i standardrepertoiret. Musikalsk måtte enhver moderne komponist imidlertid beskæftige sig med tolvtonet musik og beslutte, om de ville fortsætte med at arbejde på dens basis eller rettere at tænke i tonelinjer.

Hans Pfitzner var en af ​​de vigtigste komponister i første halvdel af århundredet, der bevidst holdt sig til tonetraditionerne. Hans operaværk viser indflydelse fra Richard Wagner og tidlige romantiske komponister som Weber og Marschner. Pfitzners musik bestemmes i vid udstrækning af lineær-polyfonisk tænkning, harmonien bevæger sig mellem simpel diatonisk og kromatisme, der går til grænserne for tonalitet. Af alle Pfitzners operaer er den musikalske legende Palestrina , der havde premiere i 1917, bedst kendt. Han skrev også: Dårlig Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein og Das Herz .

Franz Schreker skabte Der ferne Klang i 1912, en af ​​de store operaer før Anden Verdenskrig , men blev senere glemt, da nationalsocialismen skubbede hans værker fra repertoiret. Efter mange tidligere forsøg begyndte den virkelig dybe genopdagelse af denne komponist først i 1980'erne, som foruden nye produktioner af Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) også producerede forestillinger af Die Gezeichen , Der Schatzgräber og Irrelohe . Stærkt differentierede timbres spiller en vigtig rolle i Schrekers musik. Med Schreker intensiveres Wagners kromatiske harmoni igen, hvilket ofte udvisker de tonale bånd uden anerkendelse.

I lighed med Schreker, Wiener Alexander von Zemlinsky og Brno Erich Wolfgang Korngold , hvis værker også havde en hård tid efter 1945. Siden 1980'erne har begge komponister formået at genvinde en plads i det internationale repertoire, Zemlinsky med tøj gør manden , men især A Florentine Tragedy , The Dwarf og The King Kandaules , Korngold med The Dead City .

Arbejdet med Walter Braunfels blev også forbudt af nationalsocialisterne og har kun modtaget øget opmærksomhed siden slutningen af det 20. århundrede. Med sin opera Die Vögel var Braunfels en af ​​de hyppigst opførte komponister på tyske operascener i 1920'erne. Den stilistiske alsidighed i hans værker er slående: Hvis prinsesse Brambilla tilbyder et alternativ til det musikalske drama fra Wagnerian Succession baseret på Commedia dell'arte , viser Die Vögel Pfitzners indflydelse. Med de senere operaer Annunciation , The Dream a Life og Joan of Arc - Scenes from the Life of St.Johanna , nærmer Braunfels sig tonesproget for den senere hindemith.

En af de mest succesrige komponister i den yngre generation i 1920'erne var Ernst Krenek , en student fra Schreker, der oprindeligt skabte en fornemmelse med ekspressionistiske værker holdt i fri atonalitet. Hans opera Jonny fra 1927 , som optager elementer af jazz, var en skandaløs succes. Det er et typisk eksempel på genren "Zeitoper", der opstod på det tidspunkt, og som tog sine handlinger fra den daglige hverdag, som blev stærkt bestemt af ændringen i forskellige mode. Kreneks musik blev senere afvist af nationalsocialisterne som "degenereret" og forbudt. Komponisten emigrerede til USA og havde mere end 20 operaer inden 1973, hvor den foranderlige udvikling af det 20. århundredes musik eksemplarisk afspejles.

Anden Verdenskrig

Den Anden Verdenskrig var et vigtigt vendepunkt i historien om Europa og Amerika, som også havde en indvirkning på den musikalske verden. I Tyskland blev operaer med moderne lyde sjældent spillet og blev i stigende grad sidelines. Et typisk eksempel på dette er Paul Hindemith , som i 1920'erne blev betragtet som et musikalsk "bourgeoisie" med værker som operaen Cardillac , men efter 1930 fandt han endelig en moderat moderne stil med nyklassicistiske påvirkninger. Mathis maleren (komponisten sammensatte en meget spillet symfoni fra dele af denne opera). På trods af stilændringen følte Hindemith afvisningen tydeligt, fordi Adolf Hitler havde taget personlig krænkelse ved sin opera Neues von Tag , som han afsluttede i 1929 . Endelig blev Hindemiths værker mærket "degenereret", og deres optræden blev forbudt. Ligesom andre kunstnere og komponister før og efter ham gik Hindemith i eksil i 1938.

Tid efter 1945

Generel udvikling

Perioden efter 1945 var præget af en klar internationalisering og individualisering af operavirksomheden, hvilket gjorde, at den tidligere opdeling i nationale traditioner næppe virkede meningsfuld.

Opera blev mere og mere afhængig af komponistens individuelle påvirkninger end af generelle tendenser. Den konstante tilstedeværelse af "klassikerne" i det operarepertoire øgede kravene til moderne operaer, og hver komponist måtte finde sin egen måde at håndtere fortiden på, fortsætte den, at fremmedgøre den eller bryde med den. I det følgende dukkede operaer igen og igen op, der brød genrenes grænser og forsøgte at overvinde dem. På musikalsk og tekstmæssigt niveau forlod komponisterne i stigende grad det velkendte område og inkluderede scenen og den naturskønne handling i den - ofte nok abstrakte - musikalske rækkefølge. Et kendetegn ved udvidelsen af ​​visuelle midler i det 20. århundrede er videoprojektionerne, der oprindeligt ledsager handlingen og senere bliver mere uafhængige.

Bo Skovhus som Lear i operaen med samme navn af Aribert Reimann ved Hamborgs statsopera 2012. Foto: Brinkhoff Moegenburg

I den stigende individualisering af det musikalske sprog kan tendenser alligevel genkendes i operaen i anden halvdel af det 20. århundrede: på den ene side litterære operaer , hvis dramaturgi stort set er baseret på tradition. Men flere og flere aktuelle materialer og libretti bruges til dette formål. Ikke desto mindre er to banebrydende værker af denne tid af alle operaer, der bruger litterære klassikere som basis, nemlig Bernd Alois Zimmermanns opera Soldaterne baseretJakob Michael Reinhold Lenz og Aribert Reimanns Lear baseretWilliam Shakespeare . Yderligere eksempler på den litterære opera ville være Reimanns Das Schloss (efter Kafka ) og Bernarda Albas Haus (efter Lorca ). Politiske emner sættes også i stigende grad til musik, startende med Luigi Nono og Hans Werner Henze ; et nyere eksempel er Gerhard Rosenfelds opera Kniefall i Warszawa om Willy Brandt , hvis premiere i 1997 i Dortmund havde ringe effekt på offentligheden eller pressen og resulterede ikke i nogen opfølgningsproduktioner.

Hvis Luigi Nonos værker ikke længere kan kategoriseres som litterære operaer på grund af deres eksperimentelle musikalske sprog, undersøges operaens dramaturgi også for dets eksperimentelle muligheder. Udtrykket opera gennemgik derfor en ændring i anden halvdel af det 20. århundrede, mange komponister erstattede det med musikteater eller musikalske scener og brugte kun udtrykket opera til værker, der eksplicit var knyttet til tradition. I eksperimentelle komponisters værker kan man ikke kun opdage en kreativ håndtering af tekst og dramaturgi, scenen, den orkestrale opstilling og sidst men ikke mindst selve musikken overvinder konservative mønstre, genren kan ikke længere afgrænses tydeligt her . Derudover anvendes nye medier som video og elektronik, men drama, dans og performance finder også vej til opera.

En anden italiensk komponist legemliggør sin helt egen stemme i nutidig musikteater: Salvatore Sciarrino . Med sin interesse for timbres eller stilheden i musik skaber han. Nogle af værkerne er umiskendelige takket være renæssancens kompositionsteknikker (f.eks. I hans opera Luci mie traditrici fra 1998 om madrigalkomponistens liv Carlo Gesualdos liv ).

Benjamin Britten bragte det moderne England til den internationale opera scene. Den mest kendte af hans mest tonale operaer er A Midsummer Night's Dream , baseret på skuespil af William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd og Peter Grimes . Brittens kærlighed og talent for lydmaling blev vist igen og igen, især i skildringen af ​​havet.

De Dialogues des Carmelites (Samtaler i Carmelites , havde premiere i 1957) af Francis Poulenc betragtes som en af de vigtigste værker af moderne musikteater. Grundlaget er det historiske materiale fra martyrerne i Compiègne , som i 1794 gik hen til stilladset, der sang under den revolutionære domstol, efter at de havde nægtet at bryde deres religiøse løfter. Den anden berømte opera for en enkelt sanger går også tilbage til Poulenc: I La voix humaine bryder den person, der simpelthen omtales som en "kvinde", op på grund af sin elskeres utroskab, der dumper hende over telefonen. Luciano Berio brugte også et kommentarkor til den kvindelige hovedperson “Sie” i Passaggio .

Komponisten Philip Glass , der arresterede Minimal Music , brugte ikke længere forbundne sætninger for Einstein on the Beach , men brugte i stedet tal, solfège stavelser, nonsensord. Præsentationen af ​​begivenhederne på scenen var afgørende. I 1976 blev Einstein on the Beach oprettet , den første del af en trilogi, hvor Satyagraha og Akhnaten også er repræsenteret - hyldest til personligheder, der ændrede verdenshistorien: Albert Einstein , Mahatma Gandhi og den egyptiske farao Akhnaton . Glass 'værker har vist stor offentlig appel , især i forbindelse med de hyggelige produktioner af Robert Wilson eller Achim Freyer .

Mauricio Kagels teaterværker er lige så ofte værker om musik eller selve teatret, som bedst kan klassificeres som "scenisk-musikalsk handling" - musikken er næppe fast, da Kagel tillader sig at blive improviseret frit af sine kunstnere, der bruger ikke- instrumenter (lynlåse, babyflasker osv.) eller brug dem på en usædvanlig måde, syng meningsløse stavelser eller skab handlinger og / eller musik ved en tilfældighed eller improviseret læsning. Med humor kritiserede Kagel staten og teatret, militæret, kunstindustrien osv. Skandaler vækkede hans mest berømte værk, State Theatre , hvor de skjulte mekanismer i teatret bringes til overfladen.

Luigi Nono brugte derimod sin musik til at beskylde politiske og sociale sygdomme. Dette bliver især tydeligt i Intolleranza 1960 , hvor en mand på tur til sit hjemland oplever demonstrationer, protester, tortur, koncentrationslejre , fængsel og misbrug til og med en oversvømmelse, og til sidst indser, at hans hjem er der, hvor han har brug for det.

En meget produktiv komponist var Hans Werner Henze , der i 2003 blev tildelt Premium Imperiale fra Japan Art Foundation (den såkaldte Nobelpris for kunst ) . Fra begyndelsen var han i konflikt med de aktuelle strømme af nutidig musik i Tyskland, hvoraf nogle var dogmatisk orienterede (tog nøgleordet Darmstadt eller Donaueschingen , se ovenfor), tog serielle teknikker op, men brugte også helt forskellige kompositionsteknikker, herunder aleatorisk . I begyndelsen af ​​sin operakarriere arbejdede han sammen med digteren Ingeborg Bachmann ( The Young Lord , 1952 og Kleists tilpasning Prinsen af ​​Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) blev skrevet med WH Auden og Chester Kallman, librettisterne i Stravinskys opera The Rake's Progress . Han satte senere libretti af Edward Bond på musik ( The Bassarides , 1966 og The English Cat , 1980). Hans værk L'Upupa and the Triumph of Son's Love havde premiere i 2003 på Salzburg Festival. Henze, der har boet i Italien i mange årtier, har bæredygtigt forfremmet og påvirket mange yngre komponister. Biennalen for nyt musikteater, som han grundlagde, har eksisteret i München siden 1988 .

Verdensparlamentet for den første scene på ONSDAG fra Stockhausens operacyklus LIGHT. Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen afsluttede sin heptalogi LIGHT, som han startede i 1978, i 2005 . Med sit hovedværk efterlader han et monumentalt opus, der beskæftiger sig med religiøse temaer, bestående af syv operaer, der hver repræsenterer en ugedag. De første operaer havde premiere i Milano ( torsdag , lørdag , mandag ), i Leipzig blev de spillet for første gang tirsdag og fredag . I sin helhed er det komplekse arbejde med i alt 29 timers musik endnu ikke udført, ikke mindst på grund af de enorme organisatoriske vanskeligheder.

Operaen Das Mädchen mit den Schwefelhölzern af Helmut Lachenmann tiltrak opmærksomhed i Tyskland i 1996 . Den er baseret på den berømte julehistorie af HC Andersen . På en idiosynkratisk måde og med delvist nye instrumentteknikker omdanner Lachenmann følelsen af ​​kulde til lyd.

Ifølge Operabase- statistikker er de fem mest udførte levende operakomponister i de fem sæsoner fra 2013/14 til 2017/18 amerikanerne Philip Glass , Jake Heggie , engelskmanden Jonathan Dove , hollænderen Leonard Evers og englænderen Thomas Adès . Operabase navngiver Peter Lund den 8., Marius Felix Lange den 11., Wolfgang Rihm den 14., Ludger Vollmer den 17. og Aribert Reimann på 23. pladsen som de mest udførte tyske komponister .

Siden Humperdinck s eventyr opera Hans og Grete , har opera komponister gentagne gange skrevet børns operaer , såsom B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Hvor de vilde fyre bor , 1980 og 1984) og Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein og Der Goggolori ).

Andre vigtige operakomponister fra det 20. og 21. århundrede

form

Operaer er kendetegnet ved en række forskellige former, der bestemmes af konventionelle kompositionsstile såvel som af individuelle løsninger fra komponisterne. Derfor er der ingen generel formel for deres struktur. Groft sagt kan man dog bestemme en udvikling fra nummeroperaen gennem mange forskellige blandede former til den fuldt sammensatte opera omkring 1900.

Nummeropera

Fra barokperioden til den romantiske æra er operaen en række selvstændige musikstykker (" numre "), der er forbundet med recitativer eller (i Singspiel ) talte dialoger og repræsenterer en kontinuerlig plot . Ligesom dramaet kan en opera opdeles i handlinger , billeder , scener eller optrædener . Operaens musikalske komponenter er forskellige:

Instrumental musik

Lukkede lyriske former

Handlingsorienterede passager og tal

  • Den recitativ er en tekst indstilling, der tilpasser sig den tale rytme og talen melodi . Det bruges hovedsageligt til at formidle handling, især i dialogscener. I barok og klassisk musik skelnes der mellem recitativo secco , (ital. Secco , tør) og recitativo companagnato (ital. Accompagnato , ledsaget). I secco recitativet er kun vokal- og baspartierne noteret, senere også de tilknyttede akkorder som figurbas eller i skriftlig form. Sangeren ledsages af et eller et par instrumenter, for det meste en bas og et harmoniinstrument (plukket eller keyboardinstrument). I det 18. århundrede faldt denne opgave i stigende grad kun til cembalo og senere også til klaver . I Accompagnato recitativet er akkompagnementet komponeret til orkestret; det er ofte relateret til en arie, hvis situation den forbereder sig på.
  • Scenen, italiensk Scena , stammer fra det 19. århundrede fra den handlingsorienterede recitativ og ledsages af orkestret. Normalt efterfølges dette af en arie.
  • Den melodrama består enten tale ledsaget af musik, såsom i Antonio Salieri s Rauchfangkehrer (1781), den fangekælder scene fra Ludwig van Beethovens Fidelio (1805/1814) og Wolfsschlucht scene fra Carl Maria von Webers Jægerbruden (1821), eller blot en pantomime ledsaget af musik som i Daniel-François-Esprit Aubers La muette de Portici (1828) eller Giacomo Puccinis Suor Angelica (1918). Melodramaet danner en uafhængig form, der omfattede hele værker som Franz Schuberts Die Zauberharfe (1820), men er nu forsvundet fra teatrene. Dagens filmmusik trækker på effekten af ​​melodramaet .

Velkomponeret stor form

Adskillelsen af ​​tal og sondringen mellem recitativ og arie blev stillet spørgsmålstegn i det 19. århundrede. Fra 1825 og frem forsvandt secco recitativet gradvist ; i italiensk litteratur blev det erstattet af princippet om scena ed aria , som Giuseppe Verdi brugte til at danne handlingerne til en større musikalsk helhed. Fra midten af århundredet, Richard Wagner formeret opgivelsen af antallet struktur til fordel for en vel- sammensat helhed dannet på grundlag af ledemotiver . For Wagners operaer har udtrykket musikdrama etableret sig , nøgleordet " uendelig melodi " står for en kontinuerlig progression af musikalsk og følelsesmæssig udvikling, som efter hans opfattelse skulle have forrang over musikalske danseformer. Wagner beskrev sin opera Tristan und Isolde (1865) som ”plot i musik”, hvilket skulle minde om de originale operaudtryk “favola in musica” eller “dramma per musica”.

Den gennemkomponerede form blev generelt foretrukket i slutningen af ​​det 19. århundrede, også af Jules Massenet og Giacomo Puccini , og forblev den dominerende model fra tidlig modernisme til neoklassicisme , som eksperimenterede med skrøbelige strukturer og med henvisninger til former fra tidlig operahistorie. Selvstændige dele fra grundigt sammensatte operaer udføres også i koncerter, såsom mange arier fra Puccini-operaer. Richard Strauss betragtes som mesteren af ​​den velkomponerede storform, som især demonstrerede dette i enakterne Salome , Elektra og Ariadne auf Naxos .

I det 20. århundrede vendte mange komponister tilbage til nummerprincippet, for eksempel Zoltán Kodály , Igor Stravinsky eller Kurt Weill . Nummeroperaen fortsætter også i operetter og musicals .

Opera seria og Opera buffa

I operahistorien har der for det meste været en "høj" og en "lav" stil baseret på den gamle skelnen mellem tragedie og komedie . Dette betyder dog ikke altid en linje mellem seriøst og sjovt. Den "høje" stil kan også stige over den "nedre" simpelthen gennem antikke materialer eller ædle figurer eller gennem en "litterær" model, der skal tages alvorligt eller gennem "vanskelig" (eller blot gennemkomponeret ) musik. Alle disse indikationer på, hvad der er mere værdifuldt, er blevet angrebet gennem historien. Der var genrer, der forsøgte at svække kontrasten, såsom opera-semiseriet.

Så længe operaen stadig var i det eksperimentelle stadium, som det var i begyndelsen af ​​det 17. århundrede, var adskillelse ikke nødvendig. Det opstod først, da operaoptræden blev almindelig, og af sociale årsager: den seriøse opera indeholdt aristokratisk personale og "høj" politisk symbolik, tegneserien indeholdt borgerlige karakterer og "ubetydelige" hverdagslige handlinger. Gradvist adskiltes Opera Seria og Tragédie Lyrique fra deres komiske mellemrum , hvorfra Opera Buffa og Opéra-comique opstod . Denne adskillelse blev først brudt i slutningen af ​​det 18. århundrede: Fordi borgerne ikke længere ville blive portrætteret på en komisk (dvs. latterlig) måde i den "lavere" opera-genre, der var beregnet til dem, blev tegneserien ofte omdannet til den sentimentale og værdsat. Derfor er ”underlige operaer” ofte ikke sjove. Efter franske revolution , klassen blev klausul opløst og borgerlige operaer fik lov til at være ”alvorlig”. Således opstod der forskellige afgrænsninger mellem tragedie og komedie i det 19. århundrede end i det 18. århundrede.

Et samlet udtryk for både tragiske og tegneserieværker er den italienske dramma per musica , som operaen blev kaldt i sine tidlige dage. Et eksempel på en tidlig seriøs opera er Il ritorno d'Ulisse in patria af Claudio Monteverdi . Den alvorlige påstand er resultatet af anvendelsen af ​​gammelt teatermateriale - især tragedier - og episke heroiske digte. De er blevet afløst af nyere historiske emner siden det senere 18. århundrede. I det 19. århundrede Italien blev udtrykket dramma brugt i kompositionen melodramma og ikke længere relateret til gammelt drama. Både Bellinis tragiske opera Norma og den komiske opera L'elisir d'amore af Gaetano Donizetti blev så navngivet.

"Høj" stil

Operaserien etablerede sig ikke som en fast periode før det 18. århundrede. Blandede former eller tragikomisk indhold blev ekskluderet med denne titel. Händels opera Radamisto er et typisk værk. Som en antipode til Italien gav Frankrig sin egen form for opera seria titlen Tragédie lyrique , stort set påvirket af Jean-Baptiste Lully og balletten ved hoffet af Louis XIV , senere af Jean-Philippe Rameau . Efter den franske revolution etablerede den store opéra sig gradvist som en borgerlig, seriøs opera. Disse inkluderer Les Huguenots af Giacomo Meyerbeer samt mindre vellykkede værker som Les Troyens af Hector Berlioz .

Det velkomponerede musikdrama af den mere modne Richard Wagner ( Nibelung-ringen ) havde en stor international indflydelse. Franske komponister fra den tid som Massenet valgte på den anden side en gennemsigtig og vokal stil af opera, som udtrykket drame lyrique blev brugt til. Selv Debussy brugte dette udtryk for sin opera Pelléas et Mélisande .

Operamateriale er altid kommet fra romaner , noveller eller sceneværker . Den italienske opera fra det 18. århundrede så sig selv som litteratur klædt i musik . Siden da er musik blevet den absolutte overvægt, dvs. siden slutningen af ​​det 19. århundrede, kendt som ekstremt litterære operaer litterær opera . Døden i Venedig af Benjamin Britten baseretThomas Mann er en meget trofast oversættelse af det litterære materiale til musik.

"Lavere" stil

Den Opera Buffa er den oprindelige form af den muntre opera. Pergolesis La serva padrona blev anset for at være det førende eksempel omkring midten af ​​det 18. århundrede. Et sent eksempel er Il barbiere di Siviglia af Gioachino Rossini . De usædvanligt muntre operaer blev ofte mindre betragtet end de sentimentale. Hendes tekstiler kommer fra populært teater og posse , stærkt påvirket af den italienske Commedia dell'arte .

Den franske opéra-comique (type arbejde) opstod fra den tidlige opera buffa , som før revolutionen blev operaen til et stadig mere selvsikker borgerskab. Først blev dette forstået at være mere et sangspil ( vaudeville ). Men den musikalske del voksede og begyndte at dominere. Det tysksprogede Singspiel opstod fra Opéra-comique . Singspiel har ofte en populær, borgerlig karakter, er kendetegnet ved enkle sang- eller rondoformer og bruger talte dialoger i stedet for recitativer , og lejlighedsvis melodramaer mellem de musikalske numre.

Retten talte fransk. Problemet med tysk opera i det 18. og til en vis grad stadig i det 19. århundrede var, at den som en folkelig opera tilhørte den "lavere" genre og måtte hævde og frigøre sig selv. Bortførelsen fra Seraglio af Wolfgang Amadeus Mozart er en af ​​de mest berømte Singspiele med dette mål. Mozart bruger også mere komplekse musikalske former til arierne. Værket, som blev bestilt af kejser Joseph II til at etablere et nationalt sangstykke og havde premiere i 1782 på Wiener Burgtheater , var af afgørende betydning for udviklingen af ​​tysk opera.

Paris var førende inden for operahistorie i det 19. århundrede, og italienere som Rossini og Verdi kom også her. Den Opéra-Comique , der blev udført i hus Opéra-Comique , også forblevet sekundært til den nyoprettede, gennemkomponeret Grand Opera , der blev udført i Opéra - mindre med hensyn til dens musikalske betydning end dens samfundsmæssige betydning. Af de nævnte grunde behøvede det ikke nødvendigvis at være munter. Et eksempel på en komisk og maudlin opera comique, også kendt i det tysktalende område, er The Postillon af Lonjumeau af Adolphe Adam . En gruppe værker, der formelt stadig skal kaldes Opéra-comique efter 1860, forstærkede den sentimentale grundlæggende karakter ( f.eks. Mignon af Ambroise Thomas ). Et sentimentelt element kan også findes i nogle af Rossinis tegneserieoperaer ( La Cenerentola ).

En fornyelse af opéra-comique lykkedes med Carmen af Georges Bizet , hvis drama peger i retning af verismooperaen . Med hende - bortset fra de proletariske figurer - var luriden et kendetegn for den "lavere" stil.

Stor opera - kammeropera

"Størrelsen" kan også være et tegn på høj eller lav stil. Undertiden bruges udtrykket ”grand opera” som undertekst for et værk. Det betyder for eksempel, at orkestret og koret skal spille og synge i stor rollebesætning, eller at operaen er et værk i fuld længde med integreret ballet. Disse er operaer, der kun kan opføres i et større teater, og som kan afvige fra de rejsende troppers repertoire. Et eksempel på en ”stor opera” er Manon af Jules Massenet .

Udtrykket kammeropera refererer derimod til et værk, der kan realiseres med lidt personale. Antallet af sangere er normalt ikke mere end fem, orkestret er begrænset til et kammerorkester . Dette kan komme ud af trængslen ved materiel fattigdom og således henvise til den "lavere" genre eller tværtimod betyde den større eksklusivitet og koncentration af en "højere" genre. Scenen er også ofte mindre, hvilket kan bidrage til en mere intim atmosfære, hvilket er gavnligt for effekten af ​​arbejdet. Eksempler er Albert Herring af Benjamin Britten eller "Les Larmes de couteau" af Bohuslav Martinů .

Genre eller bare undertekster?

Nogle operakomponister modstod også klassificering i genretraditioner eller henviste bevidst til deres værker med visse undertekster i forhold til dem. Wagners Tristan og Isolde bærer for eksempel udtrykket "handle i musik", Luciano Berio brugte til sit arbejde Passaggio om udtrykket "messa in scena" ('iscenesættelse'). George Gershwin beskrev sit arbejde Porgy and Bess som "En amerikansk folkemusikopera". For at fjerne sig fra klichéideer foretrækker moderne komponister ofte alternative navne som "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore af Luigi Nono) eller "azione musicale" ('musikalsk handling', Un re in ascolto af Luciano Berio). Selv Peter Tchaikovskys berømte opera Eugene Onegin blev af komponisten kaldt "Lyriske scener".

Andre specielle former

I 2016 skrev Richard Geppert den tyske rockopera Freiheit med de musikalske udtryksmidler og instrumenter til rockmusik .

Der er et par eksempler på operaer - herunder John Coriglianos værk The Ghosts of Versailles , der havde premiere i 1991 - der er selvhenvisende med hensyn til form , idet de selv indeholder drama eller opera.

Opførelse af operaen

repertoire

På grund af det faktum, at opera-genren ikke altid er let at skelne fra andre musikalske genrer og genrer og praksis med pasticcios , er en erklæring om det samlede omfang af opera-repertoiret fyldt med mange vanskeligheder. Aktuelle lister antager omkring 5800 til 6000 kendte værker. Hvis du inkluderer det ikke ubetydelige antal mistede og mistede værker, især fra det 18. og det tidlige 19. århundrede, skulle i alt omkring 60.000 operaer være realistiske.

Katarina Karnéus som Serse ved den svenske opera Stockholm, 2009

Det store antal værker gør det ikke let for teatre og operahuse at foretage et valg, der opfylder en høj standard og finder et tilstrækkeligt publikum. Afhængig af størrelsen på teatret og det eksisterende budget er kunstnerisk leder og dramaturgi for hver afdeling af teatret (skuespil, musikteater, ballet, børneteater, dukketeater osv.), En tidsplan, der blev udarbejdet, tilpasset huset og dets ansatte. Programmet tager højde for stedets særlige særegenheder og optrædenstraditioner - for eksempel gennem friluftsfestivaler, jul eller nytårskoncerter - men indikerer også aktuelle tendenser inden for musikteater ved også at udføre moderne værker. Afhængig af husets størrelse opføres forskellige operaer på ny i en sæson . Den første offentlige opførelse af en ny opera kaldes en premiere , den første offentlige opførelse af en opera i en ny produktion kaldes en premiere .

Lidt efter lidt er der opstået en afprøvet, mere eller mindre smal kanon af operaer, som regelmæssigt står på programmet. Omkring 150 operaer udgør denne ikke-faste kanon i sin kerne. Derfor er interessen for særdeles funktionssektionen skiftet fra de allerede kendte værker til deres fortolkning , hvor iscenesættelsen flyttes i forgrunden. Publikum forbinder ofte deres yndlingsoperaer med visse traditioner, hvoraf nogle er frossne i konventioner , og reagerer kontroversielt på radikale fortolkningsmetoder (regi teater ).

Optrædenes sprog

Indtil midten af ​​1960'erne blev operaer for det meste udført på det lokale sprog på det sted, hvor de blev udført. Verdi-operaer i Tyskland blev sunget på tyske og Wagner-operaer i Italien på italiensk, som vist ved radio- og tv-optagelser. Allerede før var der imidlertid teatre, der udførte operaer på deres originalsprog, såsom Metropolitan Opera i New York. Den Salzburg Festival altid præsenteret operaer kun på originalsproget. På grundlag af en kontrakt med La Scala i Milano , hvor italienske sangere forpligtede sig til også at synge ved Wiener Staatsopera , introducerede Herbert von Karajan princippet om at udføre operaer på originalsproget ved Wiener Staatsopera i 1956. Med sin begrundelse om, at ordet og musikken blev tabt ved oversættelse til et andet sprog, blev operaer gradvist udført mere og mere i deres oprindelige form. Plade- og sangermarkedet, som blev stadig mere internationalt, bidrog også afgørende til denne udvikling. På den anden side var der stadig en stor tradition for oversættelser i DDR, men nye oversættelser (fx Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) forsøgte at oversætte originalens indhold mere præcist, sprogligt mere vellykket og frem for alt musikalsk mere passende. I dag, i næsten alle større operahuse, udføres operaer på originalsproget med samtidige undertekster .

På mange mindre teatre, især i det østlige Tyskland, er der stadig forestillinger på tysk. Der er også adskillige operahuse i nogle byer (fx Berlin, München, Wien), hvoraf den ene udfører operaer i oversættelser, såsom Volksoper Wien , Komische Oper Berlin , Staatstheater am Gärtnerplatz i München eller i London English National Opera . Nu og da er der også en autoriseret oversættelse (som i tilfældet med Leoš Janáčeks operaer , hvis tyske tekst kommer fra Janáčeks ven Max Brod , så den tyske tekst også kan betragtes som original). At udføre på originalsproget er altid svært, når der er dialoger i værket. Der er også blandede former her, dvs. talte tekster oversættes, men sungne lyde er på originalsproget. Oversat musikteaterforestilling er derfor udbredt inden for singspiel , operette og musicals . Dramaturgien på teatret er ansvarlig for den nøjagtige oversættelse fra et fremmed sprog. Hvis repeterenes sprogkundskaber skal uddybes, kaldes også specialbusser til et fremmed sprog ind.

Se også

litteratur

Bøger

Handelstidsskrifter

Weblinks

Wiktionary: Opera  - forklaringer på betydninger, ordets oprindelse, synonymer, oversættelser
Commons : Opera  - samling af billeder, videoer og lydfiler
Wikisource: Opera  - Kilder og fulde tekster
Wikiquote: Opera  - Citater

Individuelle beviser

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (red.): Riemann Music Lexicon ( emnedel ) . B. Schott's Sons, Mainz 1967, s. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Tysk musikinformationscenter .
  3. Resumé se: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . I: Carl Dahlhaus (red.): Piper's Enzyklopädie des Musiktheater . Bind 4. München 1991, s. 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Crash Course opera . S. 127, "Afgang i den moderne tidsalder".
  5. Statistik 2017/18. Operabase ; adgang den 14. juni 2018.
  6. Roswitha Frey: "Virkeligheden har fanget os op" . Badische Zeitung , 18. marts 2016.
  7. De Ghosts of Versailles. Hentet 7. juli 2019 .
  8. Kurt Pahlen : Det nye operaleksikon. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , s.9 .