Opera

Som opera (af italiensk opera i musica , "musikalsk værk") henviser til en 1600 oprettet (med begyndelsen af barokkens) siden 1639 musikgenre af teater . Desuden omtales operahuset (stedet, hvor forestillingen udføres eller produktionsinstitutionen) eller det udøvende selskab også som en opera .

En opera består af at sætte et dramatisk digt til musik fremført af et sangensemble , et ledsagende orkester og nogle gange et kor- og balletensemble . Udover sang fremfører skuespillerne drama og dans på en teaterscene, der er designet ved hjælp af maleri , arkitektur , rekvisitter , belysning og sceneteknologi . Skuespillernes roller tydeliggøres af masken og kostumerne . Dirigenten for musicalen, direktøren for ledelsen og scenografen for udstyret fungerer som kunstneriske ledere . I baggrunden støtter hun dramaturgien .

Afgrænsninger

Opera er opsummeret under begrebet musikteater med dans, musical og operette . Grænserne for beslægtede kunstværker er flydende og defineres altid i hver epoke, mest også med hensyn til visse nationale præferencer. På denne måde forbliver operaen som genre i live og modtager konstant nye ideer fra de mest varierede områder i teatret.

Opera og drama

Drama i den strenge forstand, at folk kun taler på scenen, er sjælden i teaterhistorien . Blandede former for musik, oplæsning og dans var reglen, selvom forfattere og teaterfolk på et tidspunkt forsøgte at redde eller reformere dramaet. Siden 1700-tallet er der opstået blandede former mellem drama og opera fra de forskellige varianter af opéra-comique , såsom balladeopera , singspiel eller fars med sang. Mozarts Singspiele er tildelt opera, de af Nestroy betragtes som skuespil. Flyt på grænsen z. B. også værkerne af Brecht / Weill , hvis trepenny opera ligger tættere på dramaet, mens Mahagonnys bys stigning og fald er en opera. Musik, der er fuldstændig underordnet drama, kaldes dramamusik .

En udbredt form for teater relateret til drama siden begyndelsen af ​​1800 -tallet var melodrama , som i dag kun er til stede i populærfilm. Det havde en stor indflydelse på opera dengang med dets eventyrmaterialer. Stedvis indeholdt den baggrundsmusik som baggrundsmusik til handlingen på scenen (mindre af den talte tekst). Det er det, udtrykket melodrama , som stadig er kendt i dag, refererer til . Sådan baggrundsmusik kan for eksempel findes i Mozarts Idomeneo , Ludwig van Beethovens Fidelio , i Webers Der Freischütz (i Wolfsschluchtszene) og i Humperdincks Königskinder .

Opera og ballet

I den franske tradition er dans blevet integreret i opera siden baroktiden. Klassisk ballet kæmpede for at bryde væk fra denne forbindelse i det 19. århundrede, men det nyklassiske værk fra det 20. århundrede, for eksempel af Igor Stravinsky eller Bohuslav Martinů , bekræfter forholdet mellem opera og ballet. Italiensk opera var heller ikke blottet for dans, selvom dans ikke dominerede i samme omfang. I dag er balletter og divertissements af repertoire -værker for det meste fjernet fra partiturerne, så indtrykket af en adskillelse af linjer skabes.

Opera og operette / musical

Operettens genre og beslægtede former som zarzuela , som en videreudvikling af Singspiel, adskiller sig fra operaen, der i stigende grad blev komponeret fra midten af ​​1800-tallet og frem, gennem de talte dialoger, men også gennem dens dominerende underholdning krav og den primære bekymring for popularitet eller kommerciel succes. Denne afgrænsning opstod først i slutningen af ​​1800 -tallet: da "komisk opera" havde ændret sig fra "lav" til "høj" genre, fremkom operetten som en ny "lav" genre. Det samme gælder musicalen , videreudviklingen af ​​populært musikteater i USA. Operetter og musicals er dog ikke mindre kunstformer end opera.

historie

forhistorie

Antikken

Selv i det antikke græske teater blev naturskøn handling kombineret med musik. Moderne opera henviste gentagne gange til denne model, og fordi lidt er blevet videregivet fra performancepraksis, kunne den fortolke den på mange forskellige måder. Et kor, der sang og dansede, spillede en stor rolle, opdelte dramaet i afsnit eller havde også til opgave at kommentere plottet. Romerne dyrkede komedie frem for tragedie . Mimus og senere pantomime havde en høj andel musik. På grund af ødelæggelsen af ​​de romerske teatre i det 6. århundrede og tabet af bøger i sen antikken er mange kilder om det gået tabt.

Siden begyndelsen af ​​det 20. århundrede har mange antikke bygninger, især amfiteatre og teatre, været brugt til operaforestillinger. De mest kendte er Théâtre Antique in Orange (med afbrydelser siden 1869), Arena di Verona (siden 1913), Odeon of Herodes Atticus i Athen (siden 1930'erne), Baths of Caracalla i Rom (siden 1937) og Romersk stenbrud St. Margarethen (siden 1996).

middelalder

I højmiddelalderen , baseret på påske Mass tjeneste, en ny tradition sunget handling opstod. Den åndelige leg fandt først sted i kirken, derefter i 1200 -tallet som et passionspil eller processionsspil uden for kirken. Populære temaer var de bibelske påske- og julearrangementer, også med komiske mellemspil. Melodierne overføres ofte, brugen af ​​musikinstrumenter er sandsynlig, men sjældent verificerbar. I den retlige sfære var der sekulære stykker som Adam de la Halles melodiøse Jeu de Robin et de Marion (1280).

Renæssance

Tidspunktet for karneval , som senere blev den traditionelle opera sæson, har givet mulighed for musikalske og teatralske handlinger siden det 15. århundrede, som udgik fra de dengang største europæiske byer i Italien: intermedia , dans spil, maske og triumf parader er en del af den urbane repræsentation i den italienske renæssance . Den madrigal var den vigtigste genre af vokalmusik og var ofte forbundet med dans.

Det kongelige hof i Frankrig fik betydning i forhold til Italien i 1500 -tallet. Den Ballet Comique de la reine 1581 var en danser og sunget handling og betragtes som en vigtig forløber for operaen.

Et tidligt forsøg i Tyskland på at udføre en dramatisk handling med syngende hovedpersoner i et scenografi er forestillingen af Orpheus og Amphion på en samtidig scene i anledning af Jülich-brylluppet med Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg med Margravine Jakobe von Baden i Düsseldorf i 1585. Som mulig hedder komponist af den musik, der ikke er overleveret, Andrea Gabrieli . Musikken var så smuk, "at den var den samme som dazumahl present / nit / og dem Musicum concentum & Symphoniam har hørt / onmüglich at tro." Historien var naturligvis primært en allegori i form af et prins spejl .

oprindelse

Florentinsk Camerata

Opera, som den er i dag, blev skrevet i Firenze i slutningen af ​​1500 -tallet . Den florentinske Camerata , en akademisk diskussionsgruppe , hvor digtere (f.eks. Ottavio Rinuccini ), musikere, filosoffer, aristokrater og en kunstbeskytter - i første omgang indtog denne rolle, grev Bardi , senere grev Corsi  - spillede en vigtig rolle i historien af dens oprettelse . Disse humanister forsøgte at genoplive det gamle drama , som de mener omfattede vokalsolister, kor og orkester. Efter de pastorale dramaer i det 16. århundrede blev librettoen designet og sat til musik ved hjælp af tidens musikalske midler. Vincenzo Galilei tilhørte denne gruppe. Han opdagede salmer af Mesomedes , som går tabt i dag, og skrev en afhandling mod hollandsk polyfoni . Dette var et klart bevis på den ønskede musikalske stil, den dengang nye solostemme med instrumental akkompagnement.

At forstå teksten i vokalmusikken var det vigtigste for den florentinske Camerata. En klar, enkel vokal linje blev erklæret det ideelle, som den sparsommelige basso -Begleitung med få og blide instrumenter som lut eller cembalo måtte underordne. Godt gennemarbejdede melodiske ideer var uønskede for ikke at skjule ordets indhold ved sangen. Der blev endda talt om en "nobile sprezzatura del canto" ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), en "ædel foragt for sang". Denne type sang blev kaldt recitar cantando , reciterende sang. Enkelheden og begrænsningen af recitar cantando står i kontrast til den dominerende polyfoni med dens komplekse lag af noter og tekst. Med monodi , som denne nye stil blev kaldt med henvisning til antikken, skulle ordet komme til sin fulde ret igen. En teori om påvirkninger udviklet , som kunne transporteres gennem den sungne tekst. Kor i madrigalform eller som motet sluttede sig til monodien over de enkelte vokalpartier . Orkestret spillede ritorneller og dansede imellem.

Det første værk i operagenren er La Dafne af Jacopo Peri (premiere i 1598) med en tekst af Ottavio Rinuccini , hvoraf kun få fragmenter har overlevet. Andre vigtige værker fra de tidlige dage er Peris Euridice (1600) som den ældste overlevende opera, samt Euridice (1602) og Il Rapimento di Cefalo af Giulio Caccini . Emnerne for disse tidlige operaer blev hentet fra hyrdepoesi og frem for alt fra græsk mytologi . Mirakler, magi og overraskelser, repræsenteret ved detaljerede scenemaskinerier , blev populære komponenter.

Monteverdi

Claudio Monteverdis første opera L'Orfeo (1607) tiltrak særlig opmærksomhed . Den havde premiere i Mantua den 24. februar 1607 i anledning af fødselsdagen for Francesco IV Gonzaga . Sammenlignet med sine forgængere kan der for første gang høres et rigere sæt instrumenter her (selvom det stort set kun antydes i partituret ), udvidet harmoni , lydpsykologisk og billedlig fortolkning af ord og figurer samt instrumentering, der kendetegner folket . Trompeter bruges f.eks. Til underverdenen og dødscener, strenge til sovende scener, til hovedpersonen Orfeo bruges et orgel med træregistre ( organo di legno ).

Monteverdi udvider vokallinjen i recitar cantando til en mere aria-lignende stil og giver korene større vægt. Hans sene værker Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) og L'incoronazione di Poppea (1643) er højdepunkter i operahistorien med hensyn til deres drama. Selv i denne sidste opera Monteverdi's L'incoronazione di Poppea finder man prologen af ​​tre allegoriske figurer vist i Fortuna den Virtù hånet (dyd). Resten af ​​handlingen foregår i den jordiske verden omkring den romerske kejser Nero , hans uelskede hustru Ottavia og Poppea , hustruen til praetoren Ottone . Dette bliver Neros kone og kejserinde. Neros brutale karakter repræsenteres af en castrato og tilsvarende virtuos musik, Ottone fremstår derimod blød, og Neros værdige lærer og rådgiver Seneca tildeles basstemmen. Bel canto sang og coloratura rigdom bruges til adelen og til guder, for resten af ​​folket enklere ariosi og sange.

1600 -tallet

Italien

I 1637 blev Teatro San Cassiano i Venedig åbnet som det første offentlige operahus. Nye spillesteder blev hurtigt oprettet, og Venedig med sin "venetianske opera" blev det operatiske centrum i Norditalien. Historiske repræsentationer fortrængte snart de mytiske emner, som i operaen L'incoronazione di Poppea (1642), der stadig bærer navnet Claudio Monteverdis, selvom forskning siden Alan Curtis har diskuteret, om det snarere er en pasticcio, der er gjort brug af kendte navne .

Publikum til disse operaer var hovedsageligt sammensat af medlemmer af de ikke-aristokratiske klasser. Spilleplanen blev bestemt af det finansielle aristokrati baseret på offentlighedens smag . I denne sammenhæng blev operaen, der opstod fra akademierne, kommercialiseret og forenklet, og orkestret blev reduceret. Den da capo arie indledes med en recitativ formet solosang i lang tid, blev kor og ensembler forkortet. Fejl og intriger dannede plotens grundstruktur, som blev beriget med komiske scener af de populære sekundære karakterer. Francesco Cavalli og Antonio Cesti var de mest berømte venetianske operakomponister i den generation, der fulgte Monteverdi. Forfatterne Giovanni Francesco Busenello og Giovanni Faustini blev anset for at være stildannende og blev ofte efterlignet.

Siden 1650'erne blev byen Napoli det andet operacenter i Italien, stærkere påvirket af aristokratiets smag. Komponisten Francesco Provenzale anses for at være grundlæggeren af ​​den napolitanske opera . I den følgende generation blev Alessandro Scarlatti en pioner i den napolitanske skole .

De librettister fik deres penge ved at sælge lærebøger, som er blevet distribueret sammen med vokslys til at læse sammen før forestillingen. I lang tid forblev renæssancehumanismens litteratur modellen for italienske operatekster.

Operaer blev kun givet på bestemte årstider (italiensk: stagione ): under karneval, fra påske til sommerferien og fra efterår til advent. Oratorier blev i stedet spillet i Passions- og adventstiden . I Rom fik ikke kun maskineffekter og kor større vægt, men også åndelige emner.

Paris

I Paris , Jean-Baptiste Lully og hans librettist Philippe Quinault udviklet en fransk version af operaen, den mest fremragende funktion af som ud over de kor, er ballet . Lully skrev en fransk version af Cavallis L'ercole amante (1662), hvor han indsatte balletter, der var mere anerkendte end operaen. Cadmus et Hermione (1673) betragtes som den første tragédie lyrique og forblev en model for efterfølgende franske operaer.

Operaen importeret fra Italien blev skubbet tilbage af tragédie lyrique. Ikke desto mindre forsøgte Lullys efterfølgere Marc-Antoine Charpentier og André Campra at kombinere franske og italienske stilindretninger.

Tysk sprogområde

Baseret på italienske modeller udviklede en uafhængig operatradition sig inden for det tysktalende område allerede i midten af ​​1600-tallet, som også inkluderer brug af tysksprogede libretti.

Den første opera af en "tysk" komponist var (tabte) Dafne af Heinrich Schütz i 1627, som havde lært den musikalske form for opera at kende under sit studieophold i Italien fra 1609 til 1613. Kun få år senere blev den første overlevende tysksprogede opera af Sigmund Theophil Staden skrevet i 1644, baseret på en libretto af Georg Philipp Harsdörffer Det åndelige skovdigt eller glædespil , kaldet Seelewig , et pastoralt didaktisk stykke i umiddelbar nærhed af moraliserende skoledrama fra renæssancen.

Kort efter trediveårskrigen etablerede operahuse i de tysktalende lande sig i stigende grad som centrale møde- og repræsentationssteder for de førende sociale klasser. De førende hertuglige og kongehuse spillede en central rolle og fik i stigende grad deres egne hofteatre og de tilhørende kunstnere, som normalt også var åbne for (velhavende) offentlighed. München modtog sit første operahus i 1657 og Dresden i 1667.

Almindelige, d. H. "Offentlige og populære" operahuse finansieret af byer og / eller private borgerlige aktører, såsom dem i Venedig, eksisterede kun i Hamburg (1678), Hannover (1689) og Leipzig (1693). I bevidst kontrast til operationen ved de "aristokratiske" huse, der domineres af italiensksprogede operaer, især Hamburg Opera på Gänsemarkt , som Tysklands ældste borgerlige operahus, bevidst stolede på tysksprogede værker og forfattere. Ligesom Handel , Keizer , Mattheson og Telemann . Fra begyndelsen af ​​1700-tallet etablerede disse en uafhængig tysksproget opera og sangspielstradition ved hjælp af tysksprogede libretti af digtere som Elmenhorst , Feind , Hunold og Postel . Hamburgs betydning for udviklingen af ​​en uafhængig tysksproget operatradition understreges også af de to samtidige skrifter om operateorien : Heinrich Elmenhorst's Dramatologia (1688) og Barthold Feinds Gedancken fra operaen (1708).

England

I England spredte operaen sig relativt sent. Den dominerende musikalske teaterform i tiden for det elisabethanske teater var masken , en kombination af dans, pantomime, talt teater og musikalske mellemspil, hvor teksten sat til musik normalt ikke var direkte relateret til plottet. Efter det puritanske forbud mod musik og teaterforestillinger i 1642 var det først ved Stuart -restaureringen, der begyndte igen i 1660, at der blev etableret et teaterliv, hvor opera blev integreret.

Henry Purcells en times opera Dido og Aeneas (premiere sandsynligvis 1689, libretto: Nahum Tate ) er et unikt værk i enhver henseende . Komponisten optager elementer fra fransk og italiensk opera, men udvikler sit eget tonesprog, som især er kendetegnet ved, at det forbliver meget tæt på teksten. Korpassager og dansesektioner står i kontrast til hovedpersonernes arioso-passager, som klarer sig næsten uden arielignende former. De skiftende stemninger og situationer gengives præcist med musikalske midler; den sidste scene, da den karthagiske dronning Dido dør af et knust hjerte af en ulykkelig kærlighed til den trojanske helt Aeneas , er en af ​​de mest bevægende inden for operallitteratur.

1700 -tallet

Generel udvikling

I løbet af 1700 -tallet opstod to typer operaer: Ud over det etablerede operaserie, som en form primært båret af adelens behov for repræsentation og legitimering, som for det meste er baseret på mytologisk eller historisk materiale og dets personale sammensat af guder, halvguder, helte, prinser og deres egen elskede og deres tjenere, udvikler opera buffa sig omkring 1720 med i første omgang grove komiske handlinger, der udvikler sig til borgerligt-sentimentale.

I Frankrig er konkurrence med italienske operaer på den ene side den høflige tragédie lyrique , med dens mere fulde instrumentering i forhold til ældre italienske operaer, og på den anden side opéra-comique , der kommer fra det parisiske tivoli . Disse genrer opmuntrer også til operaopførelser på deres eget sprog uden for Frankrig, som en lokal modvægt til de allestedsnærværende italienske virtuoser.

Den stildefinerende tendens, der begyndte i Italien i andet kvartal af 1700-tallet, var at gøre det originale drama per musica til en aria-koncert eller en nummeropera med et fast indhold og musik. En anden central udvikling i løbet af første halvdel af 1700-tallet er opdelingen af da capo arier , der er vokset til fem dele, med sekvensen AA'-B-AA 'i bestemte undergrupper:

• Aria di bravura (bravura aria ) med overdådig koloratur;
• Aria cantabile med smukke linjer;
• Aria di mezzo carattere med karakteristisk orkestral akkompagnement;
• Aria -koncert med koncertinstrumenter;
• Aria parlante , der beskriver voldsomme følelsesudbrud.

Aftenens stjerne var også i stand til at indsætte en virtuos aria baule ("kuffert -aria "), der ikke havde noget med plottet at gøre. Sådanne arier kan let udveksles eller bruges flere gange. Den bel canto -Gesang indgik de ekstreme høje toner, smidige triller og lang springer til en præsentation virtuos vokal teknikker.

Pasticcio

Fordi begrebet trofasthed over for værket endnu ikke var etableret i 1700-tallet, og klienten og publikum altid ønskede nye, aldrig før hørte operaer, og fordi mange operaselskaber ofte havde begrænsede ressourcer med hensyn til instrumentalister og sangere, var der udbredt performancepraksis i 1700-tallet med at sammensætte arier og ensembler fra forskellige værker så effektivt som muligt, afhængigt af den eksisterende line-up, og underlægge en sådan sekvens af musikalske numre med nye tekster og et nyt plot. Denne type opera blev kaldt pasticcio ; en opera pasticcio kunne komme fra pennen til en enkelt komponist, der genbrugte eksisterende numre fra tidligere værker, eller den kunne være sammensat af værker af forskellige komponister. Denne praksis betød, at handlingen og stemningen i en operaforestilling ikke blev fastsat op til slutningen af ​​1700 -tallet - på nogle steder selv ind i 1830'erne - og var underlagt konstante tilpasninger, ændringer og ændringer. Praksis med pasticcio betød, at der frem til begyndelsen af ​​1800 -tallet næsten ikke var nogen fremførelse af det samme værk musikalsk eller indholdsmæssigt lignede et tidligere.

Nummer opera

Det resulterende kaos - genereret af strategien om at opfylde forskellige forventninger på samme tid - frastødte de italienske librettister Apostolo Zeno og Pietro Metastasio . Som en modforanstaltning undgik de i slutningen af ​​1730'erne i stigende grad overflødige sideplotter, mytiske allegorier og sekundære karakterer og foretrak i stedet et klart, forståeligt plot og sprog. Derved skabte de grundlaget for en "mere seriøs" operatype ud over operaseriens tidligere performancepraksis . Plotordningen, der er udviklet til dette formål, vikler gradvist hovedpersonerne ind i et tilsyneladende uløseligt dilemma, som til sidst viser sig at være godt på grund af en uventet idé ( lieto fine ). Begge forfattere indledte en fornyelse af operaen poetisk. Mod pasticcios vilkårlighed nummererede de de musikalske dele, hvilket gjorde det svært at bytte dem. På den måde bidrog de betydeligt til udviklingen af nummeroperaen med dens faste rækkefølge. Som et selvstændigt værk med et stringent plot kunne operaen nu holde sig mod dramaet .

Opera buffa

Opera buffa -genren opstod samtidigt i Napoli og Venedig som en for det meste munter og realistisk type opera. På den ene side var der uafhængige musikalske komedier, på den anden side komiske mellemspil til operaserien i begyndelsen af ​​1730'erne, hvorfra Apostolo Zeno og Pietro Metastasio havde udelukket de komiske elementer, så de måtte begrænses til mellemspil mellem handlingerne. Operaen Lo frate 'nnamorato af Giovanni Battista Pergolesi , havde premiere den 28. september 1732 på Teatro dei Fiorentini i Napoli og værkerne af Baldassare Galuppi , der havde premiere i Venedig i midten af ​​1740'erne og blev skabt i tæt samarbejde med Carlo Goldoni , betragtes som stilistiske værker .

Indholdsmæssigt trak Opera Buffa sig fra den rige fond i Commedia dell'arte . Handlingerne var ofte blandede komedier, hvis personale bestod af et forelsket ædelpar og to underordnede, ofte tjenestepiger og tjenere. I modsætning til operaserien kan sidstnævnte optræde som hovedaktører, som et borgerligt og subborgerligt publikum kunne identificere sig med. Opera buffaen blev også værdsat af aristokratiet, der næppe tog deres provokationer alvorligt.

Udvikling af Opera buffa til Opera semiseria

Fra midten af ​​1700 -tallet begyndte komedien at skifte i opera buffa til dagligdags og samtidige handlinger, hvor adelsmænd ikke længere var usårlige. Mozarts Don Giovanni (1787) blev oprindeligt betragtet som en opera buffa og blev ikke genfortolket før i det 19. århundrede, da de borgerlige forførte skæbne kunne tages alvorligt, og den ædle forfører kunne ses som en skurk.

Et udtryk for disse ændringer er opera buffas videre udvikling til typen af opera semiseria i slutningen af ​​1700 -tallet, fordi et borgerligt publikum ikke længere ønskede at se sig selv grine ad på scenen. Den daglige nærhed af opera buffa og dens franske pendant, opéra-comique , var socialt eksplosiv i anden halvdel af 1700-tallet. I forbindelse hermed var Buffonist -striden, der fandt sted i Frankrig fra 1752 til 1754 . Jean-Jacques Rousseau værdsatte den borgerlige "muntre" operatype mere end det høje aristokratis tragédie lyrique. Hans fordømmelse af fransk opera til fordel for italiensk førte til vrede reaktioner.

England

I den engelsktalende verden blev Georg Friedrich Händel (anglicized George Frideric Handel) en af ​​de mest produktive operakomponister (mere end 45 operaer). Hans arbejde i London havde ikke den ønskede forretningsmæssige succes, bl.a. på grund af den stærke konkurrence fra den berømte castrato Farinelli , der sang i det rivaliserende operaselskab, og ødelæggende gebyrer for de engagerede primadonnaer. I det 20. århundrede var det hovedsageligt Alcina , Giulio Cesare og Serse, der vendte tilbage til repertoiret, og i de seneste årtier mange andre Handel -operaer (herunder Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Efter at den historiske performancepraksis var blevet undersøgt bedre i løbet af den tidlige musikbevægelse , blev der også lavet stildefinerende produktioner på de store operahuse ved hjælp af barokspecialister .

Frankrig

Den franske pendant til den kontroversielle opera buffa i Paris var Opéra-comique . Recitativerne er blevet erstattet af talte dialoger. Denne model fik også succes i udlandet. Den nye enkelhed og nærhed til livet afspejles også i mindre arietas og nouveaux airs , som i modsætning til de velkendte vaudevilles var nykomponerede.

I 1752 oplevede Frankrig en ny konfrontation mellem fransk og italiensk opera, som gik over i historien under navnet Buffonist Controversy. Giovanni Battista Pergolesis opera La serva padrona (tysk: Tjenestepigen som elskerinde ) var anledning til dette. Mod kunstigheden og stiliseringen af ​​den traditionelle franske aristokratiske opera, især Jean-Jacques Rousseau og Denis Diderot , der forsvarede sig mod kunsten og stiliseringen af Rameaus . Ud over den bevidst simple opera Le devin du village (tysk: Der Dorfwahrsager ) skrev Rousseau også en prisvindende afhandling med titlen Discours sur les sciences et les arts (1750), hvor han erklærer et liv uberørt af videnskab og kultur til være det ideelle. Han skrev andre musikalske artikler til den berømte omfattende encyklopædi fra den franske oplysningstid. Buffoniststriden gik i sidste ende på bekostning af den italienske operatruppe, der blev bortvist fra byen. Striden var således foreløbig forbi, men Grand Opéra halter stadig efter Opéra -komikken hvad angår popularitet.

Tysk sprogområde

Lukningen af ​​operaen på Gänsemarkt i 1738 førte til en yderligere styrkelse af den italiensktalende operaforretning i det tysktalende område, som allerede var dominerende på det tidspunkt. Men baseret på Hamborg -modellen blev praksis med at oversætte recitativerne til tysk til opførelser af franske og italienske operaer og - af hovedsagelig musikalske årsager - kun med at bevare arias originalsprog i stigende grad etableret fra midten af ​​1700 -tallet. Fra midten af ​​1700-tallet blev salg eller distribution af trykte forklaringer og oversættelser af ikke-tysksprogede værker til offentligheden på tysk mere og mere almindeligt.

Omkring 1780, med Wolfgang Amadeus Mozarts arbejde, begyndte en udvikling, der varede langt ind i 1800-tallet, hvilket førte til en stigende forskydning af den tidligere dominerende italiener til fordel for tysksprogede værker og forestillinger i tysk oversættelse. På den måde fandt Mozart sin helt egen måde at håndtere traditionen med italiensk opera på. I sine tidlige år havde han succes flere gange i Italien (blandt andet med Lucio Silla og Mitridate, re di Ponto ) og komponerede sit første mesterværk for München med Idomeneo (1781), en operaserie også skrevet på italiensk . Han skulle vende tilbage til denne form med La clemenza di Tito (1791) kort før sin død. Efter at musicalspillene Bastien og Bastienne , Zaide (fragment) og Die Entführung aus dem Serail (med denne opera havde premiere i 1782 lykkedes det at etablere sig som freelancekomponist i Wien) lavede han det i sin Figaro (1786) og endnu mere i Don Giovanni (1787), Opera seria og Opera buffa kommer tættere sammen igen. Ud over det sidstnævnte blev et tredje værk oprettet i 1790 i et hyggeligt samarbejde med librettisten Lorenzo Da Ponte Così fan tutte . I Der Zauberflöte (1791) kombinerede Mozart elementer fra operaen med Singspiel og det lokalt fremherskende gamle wienne magiske teater , der især udledte sin effekt fra spektakulære sceneffekter og et eventyrligt plot. Der var også ideer og symboler fra frimureriet (Mozart var selv medlem af logen). Mozart -operaer (og især tryllefløjten ) er stadig en del af standardrepertoiret i hvert operahus. Han beskrev selv operaen som en "stor opera i 2 akter".

Opera reform

Christoph Willibald Gluck , der også arbejdede i Italien og Wien, ledede en omfattende opera -reform med sine operaer Orfeo ed Euridice (1762) og Alceste (1767), hvor han kombinerede elementer fra seriøs opera fra Italien og Frankrig med det mere realistiske niveau af handling af opera buffa a. Det konsekvent klare og logisk strukturerede handlingsforløb, designet af Ranieri de 'Calzabigi , klarer sig uden komplekse intriger eller forvirringsdrama. Antallet af hovedpersoner er faldende. Det primære mål er større enkelhed og sporbarhed af grunden.

Glucks musik er fuldstændig underordnet dramaturgi og tekst, karakteriserer situationer og mennesker og står ikke for bel canto -sang i sig selv. Grundigt sammensatte eller strofiske sange erstattede da capo aria. Dette opnåede en ny naturlighed og enkelhed, der modvirkede hule patos og sanger -manier. Tro mod den gamle model deltog koret aktivt i handlingen. Overturen vedrører handlingen og er ikke længere et løsrevet instrumentalstykke før operaen. Italiensk arioso, fransk ballet og pantomime, engelsk og tysk sang samt vaudeville blev integreret i operaen, ikke som individuelle stykker, der stod side om side, men som en ny klassisk stil. Glucks æstetiske ideer fik en ny flor af hans elev Antonio Salieri i slutningen af ​​1700 -tallet. Operaerne Les Danaïdes , Tarare og Axur, re d'Ormus er særligt vigtige .

Forsvinden af ​​castrati -spil

Et andet udtryk for den større nærhed til dagligdagen for opera buffaen og nyskabelserne i operareformen foreslået af Christoph Willibald Gluck er den praksis, der begyndte i anden halvdel af 1700 -tallet at opgive høje castratoroller for mandlige roller til fordel for flere realistiske stemmer. Ud over den bevidste afgrænsning fra operakulturen i adelsoperaserien, der er stærkt påvirket af kastratiernes virtuositet , spillede omkostningsgrunde her ikke mindst en afgørende rolle. Da impresarios rettede opera buffaen mod et mindre velhavende borgerligt og sub-borgerligt publikum, kunne de frygtelige omkostninger for en velkendt castratos gebyr næppe blive tjent. Den resulterende identifikation af castrato -rollenes virtuose kultur med den dyre tradition for operaserien, som blev formet af adelen, forklarer også kastratiens forsvinden fra operaforretningen efter afslutningen af Ancien Régime og den deraf følgende stigning af de "mere naturlige" stemmer i opera buffa og Opera semiseria dannede middelklassen til den sociale klasse i det 19. århundrede, der også var førende inden for opera.

19. århundrede

Generel udvikling

I første kvartal af 1800 -tallet forsvandt recitativerne ledsaget af den baserede figur i stigende grad til fordel for en noteret orkesterudgave. Ud over den førende italienske opera og de franske operatyper dukkede der gradvist op andre nationale operaformer, først i Tyskland. Den franske revolution og fremkomsten af Napoleon viste deres virkninger på opera tydeligst i Ludwig van Beethovens eneste opera Fidelio og Leonore (1805, 1806 og 1814). Dramaturgien og det musikalske sprog var klart baseret på Luigi Cherubinis Médée (1797). Handlingen er baseret på en "fait historique" af Jean-Nicolas Bouilly , som blev komponeret i 1798 af Pierre Gaveaux under titlen Léonore, ou L'amour conjugal ; idealerne om den franske revolution danner derfor også baggrunden for Beethovens opera. Fidelio kan regnes blandt typen " redningsopera ", hvor den dramatiske frelse af en person fra stor fare er genstand. Værket er formelt inkonsekvent: den første del er som en sang, den anden med den store korfinal opnår symfonisk gennemslagskraft og nærmer sig oratoriet . Efter Tryllefløjten og Fidelio havde den tyske produktion brug for flere forsøg på endelig at udvikle sit eget operasprog i romantikken. ETA Hoffmann leverede en af ​​de vigtigste indledende faser med sin romantiske opera Undine og Louis Spohr med sin indstilling af Faust (begge 1816).

Tysk sprogområde

Til sidst var det Carl Maria von Weber, der fra traditionen med Singspiel bragte tysk opera til live i form af Freischütz i orkestret med en masse dramatisk rigdom i farver i 1821. Hans værk Oberon (London 1826), der næppe blev spillet på grund af den dårlige lærebog, tillagde så stor betydning for orkestret, at kendte komponister som Gustav Mahler , Claude Debussy og Igor Stravinsky senere henviste til det.

Andre komponister af den tyske romantik var den meget romantiske Franz Schubert ( Fierrabras , komponeret 1823, premier 1897), hvis venner ikke kunne give ham en hyggelig tekst, og Robert Schumann , der med indstillingen af Genoveva -materialet , der var populær blandt romantikere, kun var en af ​​de mest kendte operakomponister Opera (1850). Også værd at nævne er Heinrich Marschner , der havde stor indflydelse på Richard Wagner med sine operaer om overnaturlige begivenheder og skildringer af naturen ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing med sine spilleoperaer (herunder Zar og Zimmermann , 1837 og Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow med sin komiske opera Martha (1847) og til sidst Otto Nicolai , der bragte noget "italianità" til tysk opera med Lustige Frau von Windsor (1849).

Richard Wagner omformede endelig operaen så grundlæggende i henhold til hans ideer, at de ovennævnte tyske komponister pludselig forsvandt ved siden af ​​ham. Med Rienzi (1842) havde den hidtil temmelig ulykkelige Wagner sin første succes i Dresden; den blev senere overgået af The Flying Dutchman (1843). På grund af sit engagement i martsrevolutionen i 1848 i Dresden måtte Wagner gå i eksil i Schweiz i mange år. Hans senere svigerfar, Franz Liszt , bidrog til , at Wagner stadig var til stede i Tyskland med verdenspremieren på Lohengrin (1850) i Weimar . Med støtte fra den unge bayerske kong Ludwig II var Wagner endelig i stand til at realisere Ring des Nibelungens længe elskede plan , som han især fik bygget Bayreuth-festivalhuset til , hvor kun hans værker spilles den dag i dag.

Wagner grundlæggende innovation bestod i den fuldstændige opløsning af nummeroperaen. Der var allerede tendenser til en velkomponeret opera i Webers Freischütz eller i Robert Schumanns sjældent spillede Genoveva (1850). Denne udvikling blev kun konsekvent afsluttet af Wagner. Desuden behandlede han sangstemmer og orkesterpartier på lige fod. Orkestret ledsager ikke længere sangeren, men fungerer som en " mystisk afgrund " i forskellige forhold til det, der synges. Længden af ​​Wagners operaer kræver stor koncentration og udholdenhed fra sangere og lyttere. Temaerne for hans - med undtagelse af et par tidlige værker og Meistersinger  - konsekvent seriøse operaer, hvis libretter han selv skrev, er ofte forløsning gennem kærlighed, forsagelse eller død.

I Tristan und Isolde (1865) flyttede Wagner stort set dramaet til hovedpersonernes psykologiske indre, som han derefter kunne belyse med sin musik - operaens ydre plot er derimod usædvanligt begivenhedsløst. Designet af dette "oceaniske" interiør tjente også harmonikerne, der med " Tristan -akkorden " skubbede de harmoniske regler, der var gældende op til det tidspunkt, i baggrunden og dermed gik ned i musikhistorien. Musikalsk er Wagner's operaer kendetegnet både ved hans geniale behandling af orkestermiljøet, som også havde stor indflydelse på tidens symfoniske musik op til Gustav Mahler , og ved brug af tilbagevendende motiver, de såkaldte ledemotiver , der handler med figurer og situationer, individuelle udtryk eller med bestemte ideer. Med Ring des Nibelungen (komponeret 1853–1876), den mest berømte operacyklus i fire dele (derfor også ganske enkelt kaldet "tetralogien") med en samlet forestillingstid på omkring 16 timer, skabte Wagner en monumental musikalsk og dramatisk realisering af hans opera og drama (1852) udviklede en reform af den traditionelle opera. Den Parsifal stadie indvielse festival var den sidste af hans operaer, som delte musikverdenen i to lejre og vakte både efterlignere ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss før hans Salome ) og skeptikere - især i Frankrig.

Frankrig

I Frankrig var formen for opéra-comique , udviklet i anden halvdel af 1700-tallet, i første omgang fremherskende . Daniel-François-Esprit Auber lykkedes med sin opera La muette de Portici (1828), hvis titelheltinde blev portrætteret af en ballerina, der forblev tavs, forbindelsen til Grand opéra ("stor opera"). Dramatikeren Eugène Scribe blev deres vigtigste librettist. I Grand opéra kom historisk-politiske motiver ud over forviklingerne i den typiske operatiske kærlighedshistorie frem, som det tydeligt blev vist i Rossinis sidste opera, Guillaume Tell (1829). Den mest succesrige repræsentant for Grand Opéra var Giacomo Meyerbeer med sine værker Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) og Le prophète (1849), som blev spillet på det internationale repertoire i årtier og ind i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Andre vigtige eksempler er La Juive (“The Jewess”, 1835) af Halévy , Donizettis Dom Sébastien (1843) eller Verdis Don Carlos (1867).

Fra omkring 1850 fusionerede Opéra comique og Grand opéra til en ny form for opera uden dialoger. I 1875 skrev Georges Bizet sit mest kendte scenearbejde Carmen som Opéra comique, hvis recitativer kun blev tilføjet posthumt af Ernest Guiraud . Hvis det "realistiske" plot og tone i værket ikke matcher en storslået opéra, så modsiger den tragiske slutning, der oprindeligt forårsagede en fiasko ved premieren, opéra comique. Yderligere eksempler på blanding af opéra comique og grand opéra er Charles Gounods Faust (1859) - her bruges udtrykket drame lyrique for første gang - og Jacques Offenbachs Les contes d'Hoffmann ( Hoffmanns historier , 1871–1880).

Rusland

Endelig kom Rusland på banen med sine første nationale operaer, næret ved at importere andre succeser fra Vesten. Michail Glinka komponerede operaen Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, tysk: Et liv for zaren , omdøbt til Iwan Sussanin i Sovjetunionen ) i 1836 . Værket har et russisk emne, men musikalsk er det stadig stærkt påvirket af vestlig påvirkning. Hans mest berømte opera, Ruslan og Lyudmila , havde stor indflydelse på de følgende generationer af russiske komponister. Modest Mussorgsky brød endelig ud af vestlig indflydelse med Boris Godunov (1874) efter et drama af Alexander Pushkin . Selv Borodins prins Igor (1890) ledede yderligere Glinkas arv. Pjotr ​​Tjajkovskij stod mellem russiske traditioner og dem fra den vestlige verden og designet med Eugene Onegin (1879) og spadronningen (1890) kærlighedsdramaer med borgerligt personale, som begge også er baseret på en model af Pushkin.

Bohemen

I Bøhmen var Bedrich Smetana og Antonin Dvorak , de hyppigst opførte komponister i Prag National Opera, med Smetanas Libuse (1881) i det nye Nationalteater indtog i Prag begyndte. The Sold Bride (1866) af den samme komponist blev et eksporthit. Dvořaks opera Rusalka (1901) kombinerede folkesagn og tyske eventyrkilder til en lyrisk eventyropera. Bohuslav Martinů og Leoš Janáček fortsatte deres indsats. Sidstnævnte komponist er blevet genopdaget i sin modernitet i de seneste årtier og har i stigende grad erobret repertoiret. Mens The Cunning Little Vixen (1924) stadig mest udføres i den tyske oversættelse af Max Brod , bliver andre værker som Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) eller Věc Makropulos (1926) i stigende grad fremført i den originale tjekkiske version; dette er vigtigt, fordi Janáčeks tonesprog er tæt baseret på fonetikken og prosodien i hans modersmål.

Italien

Fra 1813, da hans operaer Tancredi og L'italiana blev opført i Algeri , faldt Italien i hænderne på den unge og ekstremt produktive bel canto -komponist Gioachino Rossini . Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. The thieving ekpie ) og La Cenerentola (begge 1817) baseret på Askepot -eventyret af Charles Perrault findes i standardrepertoiret i operahuse den dag i dag. Springende rytme og en genial og vittig orkestrering samt en virtuos behandling af sangstemmen gjorde Rossini til en af ​​de mest populære og ærede komponister i Europa. Rossini nedskrev de improviserede dekorationer af sangerne, der stadig var almindelige indtil nu i hans roller, og forhindrede derved overdrevne improvisationer. Han realiserede en ny formel idé med sin scene aria , som lempet den stive vekslen mellem recitativ og aria og alligevel fastholdt princippet om nummeropera. Derudover skrev Rossini en række operaserier (f.eks. Hans Otello , 1816 eller Semiramide , 1823). I 1824 tog han til Paris og skrev vigtige værker til Opéraen. Han skrev en politisk storopéra om William Tell ( Guillaume Tell , 1829), som blev forbudt i Østrig og optrådte på forskellige europæiske steder i en defused version med andre hovedhelte.

Rossinis yngre samtidige og efterfølgere kopierede oprindeligt hans coloratura -stil, indtil det især lykkedes Vincenzo Bellini og Gaetano Donizetti at frigøre sig fra den overvældende model med deres egen, noget enklere, mere udtryksfulde og romantiske stil. Bellini var berømt for den udtryksfulde og sofistikerede deklaration af sine recitativer og de "uendeligt" lange og udtryksfulde melodier fra hans operaer, såsom Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), og især Norma (1831). Bellini skrev hovedrollen i denne opera med den berømte aria "Casta diva", ligesom Amina i La sonnambula , for den store sanger Giuditta Pasta . Normaen er så krævende, at den kun kan synges og fortolkes af meget få store sangere; den blev revet ud af glemsel igen ved Maria Callas ' historiske fortolkning .

Donizetti, der var et par år ældre end ham, var en ekstremt hårdtarbejdende komponist, der sammen med Bellini og især efter hans utidige død (1835) steg til at blive den mest succesrige italienske operakomponist. Han fik sit første store gennembrud med Anna Bolena (1830), hvis titelrolle også blev skabt af Pasta og genopdaget af Callas. På den anden side er Lucia di Lammermoor (1835) med den berømte gale scene, der er rig på farver, aldrig helt forsvundet fra repertoiret og forbliver sammen med de muntre operaer L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) og La fille du régiment (1840) konsekvent på operahusernes repertoire.

Bellinis brede melodibuer gjorde et stærkt indtryk på den unge Giuseppe Verdi . Siden hans tredje opera, Nabucco , blev han betragtet som en national komponist for Italien, som stadig blev styret af Habsburgerne . Koret “Va, pensiero, sull 'ali dorate” udviklede sig til landets hemmelige nationalsang . Musikalsk er Verdis musik præget af en stærkt understreget, klar rytme, over hvilken enkle, ofte ekstremt udtryksfulde melodier udvikler sig. I sine operaer, hvor Verdi med et umiskendeligt teaterinstinkt ofte bidrog til lærebogen selv, indtager korscener i første omgang en vigtig position. Verdi opgav i stigende grad traditionel nummeropera; Konstant følelsesmæssig spænding krævede en varieret blanding af de enkelte scener og arier. Med Macbeth vendte Verdi endelig fra nummeroperaen og fortsatte på sin vej med intim karakterskildring af individer. Med La traviata (1853, baseret på romanen Die Kamelliendame fra 1848 af Alexandre Dumas den Yngre , der kredser om den autentiske kurtisanen Marie Duplessis ) bragte han for første gang et samtidsemne til operascenen, men blev tvunget af censorer for at stoppe plottet til at flytte fra nuet. Verdi satte ofte litterære kilder til musik, for eksempel af Friedrich Schiller (f.eks. Luisa Miller efter Kabale und Liebe eller I masnadieri efter Die Räuber ), Shakespeare eller Victor Hugo ( Rigoletto ). Med sine bidrag til Grand Opéra skrevet til Paris (f.eks. Don Carlos , 1867) fornyede han også denne form og tog elementer af Richard Wagners musikdrama op med afdøde Otello, indtil han kom med den overraskende komedie Falstaff (1893; poesi i begge Cases of Arrigo Boito ) komponerede sin sidste af næsten 30 operaer i en alder af 80 år. Sandsynligvis hans mest populære opera er Aida , skrevet i 1871.

Århundredskiftet

Efter Verdi trådte tilbage, erobrede de unge verister (italiensk: vero = true) scenen i Italien. Ubeautificeret naturalisme var et af deres højeste æstetiske idealer - følgelig blev pænt skrevne vers afstået fra. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) og Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) var de mest typiske komponister i denne periode. Giacomo Puccini , på den anden side, voksede i berømmelse langt ud over hende og er stadig en af ​​de hyppigst opførte operakomponister den dag i dag. La Bohème (1896), et moralsk maleri fra Paris ved århundredeskiftet, den "politiske thriller" Tosca (1900, baseret på dramaet med samme navn af Victorien Sardou) og Far Eastern Madama Butterfly (1904), med den ufærdige Turandot (premiere posthumt i 1926) stadig omkring en anden øget eksotisme, er blevet hits hovedsageligt på grund af deres melodier. Puccini var en eminent teaterkunstner og vidste nøjagtigt, hvordan han skulle skrive for stemmen; instrumenteringen af ​​hans partiturer, der for det meste er indstillet til et stort orkester, er meget differentieret og mesterligt. I øjeblikket bliver den italiensk-tyske komponist Alberto Franchetti , der dengang var meget populær , modvilligt genopdaget på trods af sine tre verdenssucceser ( Asrael , Christoforo Colombo og Germania ). Engageret i et andet musikalsk-dramatisk ideal end Veristen var Alfredo Catalani , der var aktiv på samme tid, og hvis værker, som er meget populære hos offentligheden, også er ispedd fantastiske elementer. Hans sidste og nu bedst kendte opera, La Wally, baseret på romanen Die Geier-Wally af Wilhelmine von Hillern , havde premiere den 20. januar 1892 på Teatro alla Scala i Milano.

Tidligt i det 20. århundrede

Frankrig

Claude Debussy formåede endelig at frigøre sig fra tyskernes indflydelse og skabte med Pelléas et Mélisande i 1902 et af de mest nuancerede eksempler på den ledmotivteknik , som Wagner havde vedtaget . Maurice Maeterlincks originale tekst bød på mange tvetydige symboler, som Debussy adopterede til orkestersproget. Vokalpartierne var næsten udelukkende recitative og tilbød Wagners "uendelige melodi" et modeksempel med den "uendelige recitativ". En af de sjældne undtagelser, der giver lytteren en vokal linje, er den enkle sang af Mélisande, som på grund af sin korthed og mangel på dekoration næppe kan betragtes som en ægte arie.

Wienskole

Efter Richard Strauss , der oprindeligt blev en senromantisk ekspressionist med Salome og Elektra , men derefter vendte tilbage til tidligere kompositionsstile med Der Rosenkavalier, og en række værker spilles stadig meget i dag (f.eks. Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow og Die Schweigsame Frau ), lykkedes det kun få komponister at finde en fast plads i repertoiret af operahuse. I stedet blev (og bibeholdes) fortidens værker. Inkluderingen af ​​et nutidigt værk i standardrepertoiret er fortsat undtagelsen.

Alban Berg formåede at gøre dette med sine operaer Wozzeck , der blev anlagt som en freetonal, og Lulu , der gør fuld brug af tolvtonet musik. Det første fragment af Lulu blev færdiggjort i sin treakter af Friedrich Cerha til Paris-forestillingen under Pierre Boulez og Patrice Chéreau . Af begge operaer har især Wozzeck, hvor stykkets indhold og musikalske vision finder en enhed, i mellemtiden fundet vej til det velkendte operarepertoire i utallige produktioner på store og små scener rundt om i verden og har opnået en ubestridt position. Det er ganske ens med Lulu, som dog ofte kun kan mestres af større etaper på grund af den indsats, der er involveret i arbejdet. Hun inspirerer dog regelmæssigt vigtige tolke som Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas eller Julia Migenes .

Af Arnold Schönberg , som er regelmæssigt monodrama forventning  den første opera for en sanger - - og det bevidst ufærdige af komponisten efterladt, de højeste krav til koret Næstformand grænsen arbejde Moses og Aron opført. Forventning, skrevet allerede i 1909, men kun havde premiere i Prag i 1924 med Marie Gutheil-Schoder under ledelse af Alexander von Zemlinsky , demonstrerede en særlig fascination for sangere (især Anja Silja og Jessye Norman ) såvel som for instruktører i årene efter Anden Verdenskrig (f.eks. Klaus Michael Grüber med Silja 1974 i Frankfurt; Robert Wilson med Norman 1995 på Salzburg Festival ). I 1930 begyndte Schönberg at arbejde med Moses og Aron, som han afbrød i 1937; Efter sin iscenesatte premiere i Zürich i 1957 har denne opera bevist sin særlige egnethed til scenen i talrige internationale forestillinger, især siden 1970'erne. Det er også interessant, at Moses bruger en talt sang i hele operaen, hvis tonehøjde er forudbestemt, mens Aron synger.

Yderligere udviklinger i det tysktalende område

Ellers satte Wienerskolen ingen yderligere spor i standardrepertoiret. Musikalsk var hver moderne komponist imidlertid nødt til at beskæftige sig med tolvtonet musik og beslutte, om han skulle fortsætte med at arbejde på dens basis eller tænke i tonele linjer.

Hans Pfitzner var en af ​​de vigtigste komponister i første halvdel af århundredet, der bevidst holdt fast i tonetraditionerne. Hans operaværk viser påvirkninger fra Richard Wagner og tidlige romantiske komponister som Weber og Marschner. Pfitzners musik er i høj grad bestemt af lineær-polyfonisk tænkning, harmonien bevæger sig mellem simpel diatonisk og kromatik, der går til tonalitetens grænser. Af Pfitzners operaer er den musikalske legende Palestrina , der havde premiere i 1917, bedst kendt. Han skrev også: Stakkels Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein og Das Herz .

Franz Schreker skabte Der ferne Klang i 1912, en af ​​de store operaer før Anden Verdenskrig , men blev senere glemt, da nationalsocialismen skubbede hans værker ud af repertoiret. Efter mange tidligere forsøg begyndte den virkelig dybtgående genopdagelse af denne komponist først i 1980'erne, som udover nye produktioner af Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) også producerede forestillinger af Die Gezeichen , Der Schatzgräber og Irrelohe . Stærkt differentierede timbres spiller en væsentlig rolle i Schrekers musik. Med Schreker intensiveres Wagners kromatiske harmoni igen, hvilket ofte slører de tonale bånd uden anerkendelse.

Ligesom Schreker, wieneren Alexander von Zemlinsky og Brno Erich Wolfgang Korngold , hvis værker også havde det svært efter 1945. Siden 1980'erne har begge komponister formået at genvinde en plads på det internationale repertoire, Zemlinsky med tøj gør mennesker , men især En florentinsk tragedie , Dværgen og Kongen Kandaules , Korngold med Den Døde By .

Arbejdet med Walter Braunfels blev også forbudt af nationalsocialisterne og har kun modtaget øget opmærksomhed siden slutningen af det 20. århundrede. Med sin opera Die Vögel var Braunfels en af ​​de mest opførte komponister på tyske operascener i 1920'erne. Den stilistiske alsidighed i hans værker er slående: Hvis prinsesse Brambilla tilbyder et alternativ til det musikalske drama fra Wagner -successionen baseret på Commedia dell'arte , viser fuglene Pfitzners indflydelse. Med de senere operaer Annunciation , The Dream a Life og Joan of Arc - Scener from the Life of St. Johanna , nærmer Braunfels sig det tonale sprog i den senere hindemith.

En af de unge generations mest succesrige komponister i 1920'erne var Ernst Krenek , en elev af Schreker, der oprindeligt forårsagede en sensation med ekspressionistiske værker, der blev holdt i fri atonalitet. Hans opera Jonny fra 1927 , der optager elementer af jazz, var en skandaløs succes. Det er et typisk eksempel på genren "Zeitoper", der opstod på det tidspunkt, som tog sine handlinger fra datidens dagligdag, som var stærkt bestemt af ændringen i forskellige modes. Kreneks musik blev senere afvist af nationalsocialisterne som "degenereret" og forbudt. Komponisten emigrerede til USA og havde mere end 20 operaer i 1973, hvor den foranderlige udvikling af musikken i det 20. århundrede eksemplarisk afspejles.

Anden Verdenskrig

Den Anden Verdenskrig var et vigtigt vendepunkt i historien om Europa og Amerika, som også havde en indvirkning på den musikalske verden. I Tyskland blev operaer med moderne lyde sjældent spillet og blev i stigende grad sat på sidelinjen. Et typisk eksempel på dette er Paul Hindemith , der i 1920'erne blev betragtet som et musikalsk "borgerskab" med værker som operaen Cardillac , men efter 1930 endelig fandt en moderat moderne stil med en nyklassisk karakter. Mathis maleren (komponisten sammensatte en meget spillet symfoni fra dele af denne opera). På trods af stilændringen følte Hindemith afvisningen tydeligt, fordi Adolf Hitler havde taget personligt anstød ved sin opera Neues von Tag , som han gennemførte i 1929 . Endelig blev Hindemiths værker mærket "degenererede", og deres fremførelse blev forbudt. Som andre kunstnere og komponister før og efter ham gik Hindemith i eksil i 1938.

Tid efter 1945

Generel udvikling

Perioden efter 1945 var præget af en klar internationalisering og individualisering af operaforretningen, hvilket gjorde, at den tidligere opdeling i nationale traditioner næppe virkede meningsfuld.

Opera blev mere og mere afhængig af komponistens individuelle påvirkninger end af generelle tendenser. Den konstante tilstedeværelse af "klassikerne" i det opera -repertoire øgede kravene til moderne operaer, og hver komponist måtte finde sin egen måde at håndtere fortiden på, fortsætte den, fremmedgøre den eller bryde med den. I det følgende dukkede operaer op igen og igen, der brød genreets grænser og søgte at overvinde dem. På musikalsk og tekstmæssigt plan forlod komponisterne i stigende grad velkendt territorium og inkluderede scenen og den naturskønne handling i den - ofte nok abstrakte - musikalske rækkefølge. Et kendetegn ved udvidelsen af ​​visuelle midler i det 20. århundrede er de videoprojektioner, der i første omgang ledsager handlingen og senere bliver mere uafhængige.

I den stigende individualisering af musiksproget kan tendenser stadig genkendes i operaen i anden halvdel af det 20. århundrede: på den ene side litterære operaer , hvis dramaturgi stort set er baseret på tradition. Imidlertid bruges flere og flere aktuelle materialer og libretti til dette formål. Ikke desto mindre er to tids pionerværker operaer af alle ting, der bruger litterære klassikere som grundlag, nemlig Bernd Alois Zimmermanns operaen Soldaterne baseret på Jakob Michael Reinhold Lenz og Aribert Reimanns Lear baseret på William Shakespeare . Yderligere eksempler på den litterære opera ville være Reimanns Das Schloss (efter Kafka ) og Bernarda Albas Haus (efter Lorca ). Politiske emner bliver også i stigende grad sat til musik, begyndende med Luigi Nono og Hans Werner Henze ; et nyere eksempel er Gerhard Rosenfelds opera Kniefall i Warszawa om Willy Brandt , hvis premiere i 1997 i Dortmund havde ringe effekt på offentligheden eller pressen og ikke resulterede i opfølgende produktioner.

Hvis Luigi Nonos værker ikke længere kan kategoriseres som litterære operaer på grund af deres eksperimenterende musikalske sprog, udforskes operaens dramaturgi også for dens eksperimentelle muligheder. Begrebet opera undergik derfor en ændring i anden halvdel af det 20. århundrede, mange komponister erstattede det med musikteater eller musikalske scener og brugte kun betegnelsen opera om værker, der eksplicit var knyttet til tradition. I eksperimentelle komponisters værker kan ikke kun en kreativ håndtering af tekst og dramaturgi opdages, scenen, orkesteropstillingen og sidst men ikke mindst selve musikken overvinder konservative mønstre, genren kan ikke længere klart afgrænses her . Derudover bruges nye medier som video og elektronik, men drama, dans og performance finder også vej til opera.

En anden italiensk komponist legemliggør sin helt egen stemme i nutidigt musikteater: Salvatore Sciarrino . Med sin interesse for timbres eller stilheden i musikken skaber han. Nogle af værkerne er umiskendelige takket være renæssancens kompositionsteknikker (f.eks. I hans opera Luci mie traditrici fra 1998 om madrigalkomponistens liv Carlo Gesualdo ).

Benjamin Britten bragte det moderne England til den internationale operascene. Den mest kendte af hans mest tonale operaer er A Midsummer Night's Dream , baseret på skuespil af William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd og Peter Grimes . Brittens kærlighed og talent for lydmaleri blev vist igen og igen, især i skildringen af ​​havet.

De Dialogues des Carmelites (Samtaler i Carmelites , havde premiere i 1957) af Francis Poulenc betragtes som en af de vigtigste værker af moderne musikteater. Grundlaget er det historiske materiale fra martyrerne i Compiègne , der i 1794 gik hen til stilladset syngende under den revolutionære domstols øjne, efter at de havde nægtet at bryde deres religiøse løfter. Den anden berømte opera for en enkelt sangerinde går også tilbage til Poulenc: I La voix humaine bryder personen simpelthen som en "kvinde" op på grund af sin elskendes utroskab, der dumper hende over telefonen. Luciano Berio brugte også et kommentarkor for den kvindelige hovedperson "Sie" i Passaggio .

Komponisten Philip Glass , der arresterede Minimal Music , brugte ikke længere sammenhængende sætninger til Einstein on the Beach , men brugte i stedet tal, solfège -stavelser, nonsensord. Præsentationen af ​​begivenhederne på scenen var afgørende. I 1976 blev Einstein on the Beach oprettet , den første del af en trilogi, hvor Satyagraha og Akhnaten også er repræsenteret - hyldest til personligheder, der ændrede verdenshistorien: Albert Einstein , Mahatma Gandhi og den egyptiske farao Akhnaton . Glass 'værker har vist stor offentlig appel , især i forbindelse med de hyggelige produktioner af Robert Wilson eller Achim Freyer .

Mauricio Kagels teaterværker er lige så ofte værker om musik eller selve teatret, der bedst kan klassificeres som "scenisk-musikalsk handling"- musikken er næppe fast, da Kagel frit lader sig improvisere af sine kunstnere, der bruger ikke- instrumenter (lynlåse, babyflasker osv.) eller bruge dem på en usædvanlig måde, synge meningsløse stavelser eller skabe handling og / eller musik ved en tilfældighed eller improviseret læsning. Med vidnesbyrd kritiserede Kagel staten og teatret, militæret, kunstindustrien osv. Skandaler forårsagede hans mest berømte værk, Statsteatret , hvor teatrets skjulte mekanismer bringes til overfladen.

Luigi Nono derimod brugte sin musik til at beskylde politiske og sociale lidelser. Dette bliver særlig tydeligt i Intolleranza 1960 , hvor en mand på en rejse til sit hjemland oplever demonstrationer, protester, tortur, koncentrationslejre , fængsler og overgreb til og med en oversvømmelse og endelig indser, at hans hjem er der, hvor han er nødvendig.

En meget produktiv komponist var Hans Werner Henze , der blev tildelt Premium Imperiale fra Japan Art Foundation (såkaldt Nobelpris for kunst ) i 2003 . Fra begyndelsen var han i konflikt med de fremherskende strømninger af nutidig musik i Tyskland, hvoraf nogle var dogmatisk orienterede (søgeordet Darmstadt eller Donaueschingen , se ovenfor), tog serielle teknikker op, men brugte også helt andre kompositionsteknikker, herunder aleatorisk . I begyndelsen af ​​sin operakarriere arbejdede han sammen med digteren Ingeborg Bachmann ( Den unge herre , 1952 og Kleists tilpasning Prinsen af ​​Homburg , 1961). The Elegy for Young Lovers (1961) blev skrevet med WH Auden og Chester Kallman, librettisterne i Stravinskys opera The Rake's Progress . Senere satte han libretti af Edward Bond til musik ( The Bassarides , 1966 og The English Cat , 1980). Hans værk L'Upupa og Triumph of Son's Love havde premiere i 2003 på Salzburg -festivalen. Henze, der har boet i Italien i mange årtier, har bæredygtigt fremmet og påvirket mange yngre komponister. Biennalen for nyt musikteater, som han grundlagde, har eksisteret i München siden 1988 .

Karlheinz Stockhausen afsluttede sin heptalogi LIGHT, som han startede i 1978, i 2005 . Med sit hovedværk efterlader han et monumentalt opus, der beskæftiger sig med religiøse temaer, bestående af syv operaer, der hver repræsenterer en ugedag. De første operaer havde premiere i Milano ( torsdag , lørdag , mandag ), og i Leipzig blev de opført for første gang tirsdag og fredag . I sin helhed er det komplekse værk, der omfatter i alt 29 timers musik, endnu ikke blevet udført, ikke mindst på grund af de enorme organisatoriske vanskeligheder.

Operaen Das Mädchen mit den Schwefelhölzern af Helmut Lachenmann vakte opmærksomhed i Tyskland i 1996 . Den er baseret på den berømte julehistorie af Hans Christian Andersen . På en særegen måde og med delvis nye instrumentalteknikker omdanner Lachenmann følelsen af ​​kulde til lyd.

Ifølge Operabase -statistik er de fem mest opførte levende operakomponister i de fem sæsoner fra 2013/14 til 2017/18 amerikanerne Philip Glass , Jake Heggie , englænderen Jonathan Dove , hollænderen Leonard Evers og englænderen Thomas Adès . Operabase navngiver Peter Lund den 8., Marius Felix Lange den 11., Wolfgang Rihm den 14., Ludger Vollmer den 17. og Aribert Reimann på 23. pladsen som de mest udførte tyske komponister .

Siden Humperdinck s eventyr opera Hans og Grete , har opera komponister gentagne gange skrevet børns operaer , såsom B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Hvor de vilde fyre bor , 1980 og 1984) og Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein og Der Goggolori ).

Andre vigtige operakomponister i det 20. og 21. århundrede

form

Operaer er kendetegnet ved en række forskellige former, som bestemmes af konventionelle kompositionsstilarter samt af individuelle løsninger af komponisterne. Derfor er der ingen generel formel for deres struktur. Groft sagt kan man dog se en udvikling fra nummeroperaen gennem mange forskellige blandede former til den grundigt sammensatte opera omkring 1900.

Nummer opera

Fra barokperioden til den romantiske æra er operaen en række selvstændige musikstykker (" numre "), der er forbundet med recitativer eller (i Singspiel ) talte dialoger og repræsenterer et kontinuerligt plot . Ligesom dramaet kan en opera opdeles i handlinger , billeder , scener eller optrædener . Operaens musikalske komponenter er forskellige:

Instrumental musik

• Et uafhængigt stykke musik er ouverturen , ofte italiensk sinfonia , der åbner en opera eller en handling. Siden 1800 -tallet er tematisk materiale fra operaen i stigende grad blevet citeret, eller ouverturen beskriver væsentlige træk ved plottet, som også er kendt som "programouverturen" (f.eks. Der Freischütz , 1821, af Carl Maria von Weber ). Klassiske og romantiske ouverturer bruges også adskilt fra operaen som koncertstykker. Derfor er der nogle gange to konklusioner for en ouverture: en der fører ind i operaen og en såkaldt koncertafslutning.
• Den introduktion eller optakt er normalt kortere end en ouverture og ofte går lige ind i den første scene (fx Rosenkavaleren , 1911 af Richard Strauss ).
• En entracte eller mellemspil af orkestret forbinder nøgenbilleder, billeder eller scener. Sådanne passager bruges ofte til transformationer på scenen. I nogle tilfælde udføres mellemspil adskilt fra scenespillet, hvorfra de stammer som koncertstykker ( L'Arlésienne , 1872, eller mellemspilene fra Carmen , 1875, af Georges Bizet , Four Sea Interludes fra Benjamin Brittens Peter Grimes , 1945).
• Især fransk opera indeholder traditionelt længere balletmusik , men dette blev i stigende grad udeladt til forestillinger i det 20. århundrede. Nonnenes ballet fra Giacomo Meyerbeer's Robert le diable (1831), den hoflige ballet fra Giuseppe Verdis Don Carlos (1867) eller bacchanalen i begyndelsen af ​​Paris -versionen af ​​Wagner's Tannhäuser og sangerens krig mod Wartburg (1861) blev kendt.
• Mange operaer indeholder også individuelle selskabsdanse , marcher , mime , musikforestillinger osv. Tidlige franske operaer er en række små danseværker ( Divertissements besluttet).

Lukkede lyriske former

• Den arie er den generiske betegnelse for alle solo messen i operaen. Andre navne til solostykker er Lied , Cavatine , Couplet , Ariette , Romance , Ballade . Virtuoso italienske arier havde en udsmykkede sidste bevægelse kaldet cabaletta . Arias er ofte de mest populære og velkendte dele af en opera og gives individuelt, nogle gange med en forudgående recitativ, uden for operaen. Arien beskriver ofte en følelsesmæssig tilstand, minder eller tanker om sangfiguren og lader dermed den dramatiske handling stå stille.
• Ensembler er sang for flere solostemmer: duet , trio , kvartet osv. Siden slutningen af ​​1700 -tallet har større ensembler ofte dannet finalen i en akt og fortsætter handlingen som i Don Giovanni (1787) af W. A. ​​Mozart .
• De korets tilbyder en ændring fra de solostykker og i det 19. århundrede ofte lader folk har deres indflydelse. I nogle operaer kan han tage solostykkerne i baggrunden, som Antonio Salieri i Les Danaïdes (1784), Gioachino Rossinis Moïse et Pharaon (1827) eller Modest Mussorgsky's Boris Godunov (1874).
• Den franske vaudeville i det 17. / 18. århundrede har en særlig position . Århundrede et, en velkendt vers sang sunget skiftevis , ofte med et fælles refræn , for eksempel i finalen i Mozarts Die Entführung aus dem Seraglio (1782).

Handlingsfokuserede passager og tal

• Den recitativ er en tekst indstilling, der tilpasser sig den tale rytme og talen melodi . Det bruges hovedsageligt til at formidle handling, især i dialogscener. I barok og klassisk musik skelnes mellem recitativo secco , (ital. Secco , tør) og recitativo companagnato (ital. Accompagnato , akkompagneret). I secco -recitationen noteres kun vokal- og baspartierne, senere også de tilhørende akkorder som figureret bas eller i skriftlig form. Sangeren ledsages af et eller et par instrumenter, for det meste en bas og et harmoniinstrument (plukket eller keyboardinstrument). I 1700 -tallet faldt denne opgave i stigende grad kun til cembalo og senere også til fortepiano . I Accompagnato recitativet er akkompagnementet sammensat til orkesteret; det er ofte relateret til en aria, hvis situation den forbereder sig på.
• Scenen, italiensk Scena , opstod i 1800-tallet fra den handlingsorienterede recitativ og ledsages af orkesteret. Normalt efterfølges dette af en aria.
• Den melodrama består enten tale ledsaget af musik, som i Antonio Salieri s Rauchfangkehrer (1781), den fangekælder scene fra Ludwig van Beethovens Fidelio (1805/1814) og Wolfsschlucht scene fra Carl Maria von Webers Jægerbruden (1821), eller blot en pantomime akkompagneret af musik som i Daniel-François-Esprit Aubers La muette de Portici (1828) eller Giacomo Puccinis Suor Angelica (1918). Melodramaet danner en uafhængig form, der omfattede hele værker som Franz Schuberts Die Zauberharfe (1820), men nu er forsvundet fra teatrene. Dagens filmmusik trækker på virkningen af ​​melodramaet .

Velkomponeret storform

Adskillelsen af ​​tal og sondringen mellem recitativ og aria blev stillet spørgsmålstegn ved i det 19. århundrede. Fra 1825 forsvandt secco recitativet gradvist ; i italiensk litteratur blev det erstattet af princippet om scena ed aria , som Giuseppe Verdi brugte til at danne handlingerne til en større musikalsk helhed. Fra midten af ​​århundredet forplantede Richard Wagner opgivelsen af ​​talstrukturen til fordel for en velkomponeret helhed dannet på basis af leitmotiver . For Wagners operaer har udtrykket musikalsk drama sejret, søgeordet " uendelig melodi " står for en kontinuerlig progression af musikalsk og følelsesmæssig udvikling, som efter hans mening burde sejre over musikalske danseformer. Wagner beskrev sin opera Tristan und Isolde (1865) som "plot i musikken", som burde minde om de originale operatiske udtryk "favola in musica" eller "dramma per musica".

Den gennemkomponerede form blev generelt foretrukket i slutningen af ​​1800-tallet, også af Jules Massenet og Giacomo Puccini , og forblev den dominerende model fra tidlig modernisme til nyklassicisme , som eksperimenterede med skrøbelige strukturer og med henvisninger til former fra tidlig operahistorie. Selvstændige dele fra velkomponerede operaer udføres også i koncerter, såsom mange arier fra Puccini-operaer. Richard Strauss betragtes som mesteren i den velkomponerede storform, der især demonstrerede dette i enakteren Salome , Elektra og Ariadne auf Naxos .

I det 20. århundrede vendte mange komponister tilbage til nummerprincippet, for eksempel Zoltán Kodály , Igor Stravinsky eller Kurt Weill . Nummeroperaen fortsætter også i operetter og musicals .

Opera seria og Opera buffa

I operaens historie var der mest en "høj" og en "lav" stil, der frit fulgte den gamle sondring mellem tragedie og komedie . Dette betyder dog ikke altid en grænse mellem seriøst og sjovt. Den "høje" stil kan også stige over den "lavere" simpelthen gennem antikke materialer eller ædle figurer eller gennem en "litterær" model, der skal tages seriøst eller gennem "vanskelig" (eller blot gennemkomponeret ) musik. Alle disse indikationer på, hvad der er mere værdifuldt, er blevet angrebet gennem historien. Der var genrer, der forsøgte at svække kontrasten, såsom opera semiseria.

Så længe operaen stadig var på forsøgsfasen, som den var i begyndelsen af ​​1600 -tallet, var adskillelse ikke nødvendig. Det skete først, da operaforestillinger blev almindelige af sociale årsager: seriøs opera indeholdt aristokratisk personale og "høj" politisk symbolik, mens tegneserier havde borgerlige karakterer og "ubetydelige" hverdagsaktioner som tema. Efterhånden adskilte Opera seria og Tragédie lyrique sig fra deres komiske mellemspil , hvorfra Opera buffa og Opéra-comique opstod . Denne adskillelse blev først brudt i slutningen af ​​1700 -tallet: Fordi borgerne ikke længere ønskede at blive fremstillet på en komisk (dvs. latterlig) måde i den "lavere" operagenre, der var beregnet til dem, blev tegneserien ofte omdannet til den sentimentale og værdsat. Derfor er "underlige operaer" ofte ikke sjove. Efter franske revolution , klassen blev klausul opløst og borgerlige operaer fik lov til at være ”alvorlig”. I 1800 -tallet opstod der således andre grænser mellem tragedie og komedie end i 1700 -tallet.

En samlebetegnelse for både tragiske og komiske værker er den italienske drama per musica , som operaen blev kaldt i sine tidlige dage. Et eksempel på en tidlig seriøs opera er Il ritorno d'Ulisse in patria af Claudio Monteverdi . Den alvorlige påstand skyldes brugen af ​​gammelt teatermateriale - især tragedier - og episke heroiske digte. De er blevet afløst af nyere historiske emner siden det senere 18. århundrede. I 1800 -tallets Italien blev udtrykket dramma brugt i kompositionen melodramma og var ikke længere relateret til gammelt drama. Både Bellinis tragiske opera Norma og den komiske opera L'elisir d'amore af Gaetano Donizetti blev navngivet på denne måde.

"Høj" stil

Operaserien etablerede sig først som et fast begreb i 1700 -tallet. Blandede former eller tragikomisk indhold blev udelukket med denne titel. Händels opera Radamisto er et typisk værk. Som en modpol til Italien gav Frankrig sin egen form for opera seria titlen Tragédie lyrique , stort set påvirket af Jean-Baptiste Lully og balletten ved hoffet i Louis XIV , senere af Jean-Philippe Rameau . Efter den franske revolution etablerede den store opéra sig gradvist som en borgerlig, seriøs opera. Disse omfatter Les Huguenots af Giacomo Meyerbeer , samt mindre vellykkede værker som Les Troyens af Hector Berlioz .

Det velkomponerede musikdrama fra den mere modne Richard Wagner ( The Ring of Nibelung ) havde en stor international indflydelse. Den tids franske komponister som Massenet valgte derimod en gennemsigtig og vokal stil af opera, som udtrykket drame lyrique blev brugt til. Selv brugte Debussy dette udtryk til sin opera Pelléas et Mélisande .

Operamateriale er altid kommet fra romaner , noveller eller scener . Den italienske opera fra 1700 -tallet så sig selv som litteratur klædt i musik . Siden er musikken blevet den absolutte overvægt, dvs. siden slutningen af ​​1800 -tallet, er kendt som ekstremt litterære operaer litterær opera . Death in Venice af Benjamin Britten baseret på Thomas Mann er en meget trofast oversættelse af det litterære materiale til musik.

"Lavere" stil

Den komiske opera er den originale form for komisk opera. Pergolesis La serva padrona blev anset for at være det førende eksempel omkring midten af ​​1700 -tallet. Et sent eksempel er Il barbiere di Siviglia af Gioachino Rossini . De usædvanligt muntre operaer blev ofte mindre anset end de sentimentale. Hendes tekstiler kommer fra populært teater og posse , stærkt påvirket af den italienske Commedia dell'arte .

Den franske opéra-comique (type arbejde) stammer fra den tidlige opera buffa , der før revolutionen blev opera for et stadig mere selvsikkert borgerskab. Først forstås dette som mere et sangspil ( vaudeville ). Men den musikalske del voksede og begyndte at dominere. Det tysksprogede Singspiel stammer fra Opéra-comique . Singspiel har ofte en populær, borgerlig karakter, er kendetegnet ved simple sang- eller rondo -former og bruger talte dialoger i stedet for recitativer og lejlighedsvis melodramas mellem musiknumrene.

Retten talte fransk. Problemet med tysk opera i det 18. og til en vis grad stadig i det 19. århundrede var, at den som folkelig opera tilhørte den "lavere" genre og måtte hævde og frigøre sig selv. Bortførelsen fra Seraglio af Wolfgang Amadeus Mozart er en af ​​de mest berømte Singspiele med dette formål. Mozart bruger også mere komplekse musikalske former til arier. Værket, der blev bestilt af kejser Joseph II til at etablere et nationalt sangspil og havde premiere i 1782 på Wiener Burgtheater , var af afgørende betydning for udviklingen af ​​den tyske opera.

Paris var førende inden for operahistorie i 1800 -tallet, og italienere som Rossini og Verdi kom også hertil. Den Opéra-Comique , der blev udført i hus Opéra-Comique , også forblevet sekundært til den nyoprettede, gennemkomponeret Grand Opera , der blev udført i Opéra - mindre med hensyn til dens musikalske betydning end dens samfundsmæssige betydning. Af de nævnte grunde behøvede det ikke nødvendigvis at være munter. Et eksempel på en komisk og uhyggelig operakomik, også kendt i det tysktalende område, er The Postillon by Lonjumeau af Adolphe Adam . En gruppe værker, der formelt stadig kan betegnes som Opéra-comique efter 1860, forstærkede den sentimentale grundkarakter (såsom Mignon af Ambroise Thomas ). Et sentimentalt element kan også findes i nogle af Rossinis komiske operaer ( La Cenerentola ).

En fornyelse af opéra-komikken lykkedes med Carmen af Georges Bizet , hvis drama peger i retning af verismooperaen . Med hende - bortset fra de proletariske skikkelser - var luriden karakteristisk for den "lavere" stil.

Stor opera - kammeropera

"Størrelsen" kan også være et tegn på høj eller lav stil. Nogle gange bruges udtrykket "grand opera" som undertitel til et værk. Det betyder fx, at orkesteret og koret skal spille og synge i stort cast, eller at operaen er et fuldværksværk med integreret ballet. Disse er operaer, der kun kan opføres i et større teater, og som kan afvige fra de vandrende troppers repertoire. Et eksempel på en "stor opera" er Manon af Jules Massenet .

Udtrykket kammeropera henviser derimod til et værk, der kan realiseres med lidt personale. Antallet af sangere er normalt ikke mere end fem, orkestret er begrænset til et kammerorkester . Dette kan komme ud af den materielle fattigdoms vanskeligheder og dermed referere til den "lavere" genre eller tværtimod betyde den større eksklusivitet og koncentration af en "højere" genre. Scenen er også ofte mindre, hvilket kan bidrage til en mere intim atmosfære, hvilket er gavnligt for værkets effekt. Eksempler ville være Albert Herring af Benjamin Britten eller “Les Larmes de couteau” af Bohuslav Martinů .

Genre eller bare undertekster?

Nogle operakomponister modstod også klassificering i genretraditioner eller henviste bevidst til deres værker med visse undertekster i forhold til dem. Wagner Tristan og Isolde bærer f.eks. Udtrykket "handle i musik", Luciano Berio brugte til sit arbejde Passaggio om udtrykket "messa in scena" ('iscenesættelse'). George Gershwin beskrev sit værk Porgy og Bess som "An American Folk Opera". For at tage afstand fra klichéistiske ideer foretrækker moderne komponister ofte alternative navne som "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore af Luigi Nono) eller "azione musicale" ('musical act', Un re in ascolto af Luciano Berio). Selv Peter Tchaikovskys berømte opera Eugene Onegin blev af komponisten kaldt "Lyriske scener".

Andre særlige former

I 2016 Richard Geppert skrev den tyske rockopera Freiheit med de musikalske udtryksmidler og instrumenter rockmusik .

Der er et par eksempler på operaer - herunder John Corigliano arbejde spøgelser Versailles , der havde premiere i 1991 - der er selvrefererende i hvad angår form , idet de selv indeholder drama eller opera.

Opførelse af operaen

repertoire

På grund af det faktum, at opera -genren ikke altid er let at skelne fra andre musikalske genrer og genrer og udøvelsen af pasticcios , er en udtalelse om det overordnede omfang af opera -repertoiret fyldt med mange vanskeligheder. Nuværende lister antager omkring 5800 til 6000 kendte værker. Hvis du medtager det ikke ubetydelige antal tabte og tabte værker, især fra 1700- og begyndelsen af ​​1800 -tallet, burde i alt omkring 60.000 operaer være realistiske.

Det store antal værker gør det ikke let for teatre og operahuse at foretage et udvalg, der opfylder en høj standard og også finder et tilstrækkeligt publikum. Afhængig af teatrets størrelse og det eksisterende budget er kunstnerisk leder og dramaturgi for hver division i teatret (skuespil, musikteater, ballet, børneteater, dukketeater osv.), Udarbejdede et skema en udformning af huset og dets medarbejdere. Programmet tager hensyn til stedets regionale særegenheder og performancetraditioner - for eksempel gennem udendørs festivaler, jul eller nytårskoncerter - men angiver også aktuelle tendenser inden for musikteater ved også at udføre nutidige værker. Afhængigt af husets størrelse iscenesættes forskellige operaer på ny på en sæson . Den første offentlige forestilling af en ny opera kaldes en premiere , den første offentlige forestilling af en opera i en ny produktion kaldes en premiere .

Lidt efter lidt er der dukket en afprøvet, mere eller mindre smal kanon af operaer op, som regelmæssigt er på programmet. Omkring 150 operaer udgør denne ikke-faste kanon i kernen. Følgelig har interessen for feature-sektionen især flyttet sig fra de allerede kendte værker til deres fortolkning , hvor iscenesættelsen bevæger sig i forgrunden. Publikum ofte forbinder deres favorit operaer med visse traditioner, hvoraf nogle er fastfrosset i konventioner , og reagerer kontroversielt til radikale fortolkende tilgange (instruktør teater ).

Sprog i forestillingerne

Indtil midten af ​​1960'erne blev operaer for det meste fremført på det nationale sprog på det sted, hvor de blev fremført. Verdi -operaer i Tyskland blev sunget på tysk og Wagner -operaer i Italien på italiensk, som det blev vist ved radio- og tv -optagelser. Selv før det var der imidlertid teatre, der fremførte operaer i det respektive originalsprog, f.eks. Metropolitan Opera i New York. Den Salzburg Festival altid præsenteret operaer kun på originalsproget. På grundlag af en kontrakt med La Scala i Milano , hvor italienske sangere forpligtede sig til også at synge i Wiener Staatsopera , introducerede Herbert von Karajan princippet om at udføre operaer på originalsproget ved Wiener Staatsopera i 1956. Med sin begrundelse om, at ordets og musikens enhed gik tabt ved oversættelse til et andet sprog, blev operaer gradvist fremført mere og mere i deres oprindelige form. Plade- og sangermarkedet, der blev mere og mere internationalt, bidrog også afgørende til denne udvikling. I DDR var der derimod stadig en stor oversættelsestradition, men der blev forsøgt med nye oversættelser (f.eks. Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) at oversætte originalens indhold mere præcist, sprogligt mere vellykket og frem for alt , musikalsk mere passende. I dag udføres operaer i næsten alle større operahuse på originalsproget med samtidige overtekster .

På mange mindre teatre, især i det østlige Tyskland, er der stadig forestillinger på tysk. Der er også flere operahuse i nogle byer (f.eks. Berlin, München, Wien), hvoraf det ene udfører operaer i oversættelser, såsom Volksoper Wien , Komische Oper Berlin , Staatstheater am Gärtnerplatz i München eller i London the English National Opera . Nu og da er der også en autoriseret oversættelse (som i tilfælde af Leoš Janáčeks operaer , hvis tyske tekst kommer fra Janáčeks ven Max Brod , så den tyske tekst også kan betragtes som original). Udførelse på originalsproget er altid svært, når der er dialoger i værket. Der er også blandede former her, det vil sige, talte tekster oversættes, men sungne lyde er på originalsproget. Oversat musikteaterforestilling er derfor udbredt inden for singspiel , operette og musicals . Dramaturgien på teatret er ansvarlig for den nøjagtige oversættelse fra et fremmedsprog. Hvis répétitørernes sprogkundskaber skal uddybes, kaldes også specialiserede trænere til et fremmedsprog til.

Se også

• Liste over operaer
• Liste over operaforlag
• Liste over klassiske musikere
• Teateruddannelse
• Opera guide
• Singspiel , operette , musical , børneopera , tv-opera , opera seria , semi-opera , opera semiseria , kinesisk opera , Peking opera , modelopera , radioopera , musikdrama , maskspil , maske
• Verdens operadag
• Ópera Flamenca
• Opera længde

litteratur

Bøger

• Paul Bekker : Ændringer i operaen. Zürich 1983 (genoptryk fra 1934), ISBN 3-280-01409-3 .
• Barbara Beyer: Hvorfor opera? Alexander, Berlin 2006, ISBN 3-89581-145-9 .
• Oscar Bie : Operaen. Mainz 1988 (genoptryk fra 1923), ISBN 978-3-492-18234-8 .
• Carl Dahlhaus et al. (Red.): Piper's Encyclopedia of Music Theatre . 6 bind og registre. Piper, München / Zürich 1986–1997, ISBN 3-492-02411-4 , ISBN 3-492-03972-3 .
• Jens Malte Fischer : Opera - det mulige kunstværk. Müller-Speiser, Anif / Salzburg 1991.
• Jens Malte Fischer: Om operaens vidunder. Zsolnay, Wien 2007, ISBN 978-3-552-05396-0 .
• Johannes Jansen: Crashkurs opera. Dumont Buchverlag, Köln 1998, ISBN 3-7701-4280-2 .
• Rudolf Kloiber , Wulf Konold , Robert Maschka: Handbook of the Opera. 14., grundlæggende revideret udgave. JB Metzler, Stuttgart 2016, ISBN 978-3-476-02586-9 .
• Arnold Jacobshagen (Hrsg.): Øv musikteater. En manual. Laaber-Verlag, Laaber 2002, ISBN 978-3-89007-512-9 .
• Isolde Schmid-Reiter (red.): L'Europe Baroque. Opera i det 17. og 18. århundrede. L'opéra aux XVIIe et XVIIIe siècles. ConBrio, Regensburg 2010, ISBN 978-3-940768-17-9 .
• Ulrich Schreiber : Operakunsten. Bog Guild Gutenberg, Frankfurt am Main 1988-2005, ISBN 3-7632-3101-3 , ISBN 3-7632-5643-1 (4 bind)
• Ulrich Schreiber: Operaguide til avanceret I: Fra begyndelsen til den franske revolution , Verlag Bärenreiter 1999, ISBN 3-7618-0899-2
• Ulrich Schreiber: Opera Guide for Advanced II: The 19th Century , Verlag Bärenreiter 2000, ISBN 3-7618-1028-8
• Ulrich Schreiber: Opera Guide for Advanced Students III: The 20th Century (3 bind). Verlag Bärenreiter 2000–2006, III.1: ISBN 3-7618-1436-4 , III.2: ISBN 3-7618-1437-2 , III.3: ISBN 3-7618-1859-9
• Silke Leopold , Robert Maschka: Hvem er hvem i operaen. Deutscher Taschenbuch-Verlag (München) / Bärenreiter (Kassel et al.) 2004, ISBN 3-423-34126-2 eller ISBN 3-7618-1780-0
• Stanley Sadie (red.): The New Grove Dictionary of Opera. Grove, New York / Oxford 2004, ISBN 0-19-522186-9 (engelsk)
• Siegfried Mauser (red.): Håndbog i de musikalske genrer . Bind 11; Silke Leopold: Operaen i 1600 -tallet . Verlag Laaber, 2004, ISBN 978-3-89007-134-3
• Siegfried Mauser (red.): Håndbog i de musikalske genrer . Bind 12; Herbert Schneider, Reinhard Wiesend (red.): Operaen i det 18. århundrede . Verlag Laaber, 2001, ISBN 978-3-89007-135-0
• Siegfried Mauser (red.): Håndbog i de musikalske genrer . Bind 13; Sieghart Döhring, Sabine Henze-Döhring : Opera og musikdrama i 1800-tallet . Verlag Laaber 1997, ISBN 978-3-89007-136-7
• Siegfried Mauser (red.): Håndbog i de musikalske genrer . Bind 14; Siegfried Mauser (red.): Musikteater i det 20. århundrede . Verlag Laaber, 2002, ISBN 978-3-89007-285-2
• Dieter Zöchling: Operaen. Westermanns farvede guide gennem operaer, operetter og musicals. Med et forord af Placido Domingo. Westermann Verlag, Braunschweig 1981, Redaktionsbüro Harenberg, Schwerte, ISBN 3-611-00024-8 (med 166 portrætter af komponister og præsentation af 400 operaer, operetter og musicals-hver med plot og kritisk evaluering samt information om libretto , historie oprindelse og virkning, verdenspremiere, tysk premiere, individuelle roller og sekundær litteratur)
• The New Franzen Opera Encyclopedia I - en katalog raisonné over alle operaer, operetter og singspiele, der nogensinde er skrevet og opført. Zürich 1998, ISBN 3-905587-05-X
• The New Franzen Opera Encyclopedia II - et bibliotek over alle operasangere. Zürich 1999, ISBN 3-905587-08-4
• The New Franzen Opera Encyclopedia III - et bibliotek over alle operakomponister med diskografi. Zürich 1999, ISBN 3-905587-10-6
• Harenberg Opera Guide - Nøglen til 500 operaer, deres plot og historie (med CD -anbefalinger fra "Opernwelt" -redaktionen). Dortmund 1995, ISBN 3-611-00496-0
• Elisabeth Schmierer : Operas leksikon i 2 bind. Laaber-Verlag, Laaber, 2002. ISBN 978-3-89007-524-2
• Clemens Wolthens: Opera og operette. Tosa Verlag, Wien 1970
• Peter Overbeck : Opera. 100 sider. Reclam-Verlag, Ditzingen 2019. ISBN 978-3-15-020537-2
• Bernd Feuchtner: 1900 -tallets opera i 100 mesterværker. Wolke Verlag, Hofheim 2020, ISBN 978-3-95593-250-3 .

Fagblade

• Opera! magasinet. Ulrich Ruhnke forlag, Berlin, ISSN  2365-2217
• Opera verden . Friedrich-Berlin-Verlags-Gesellschaft, Berlin, ISSN  0030-3690
• Operaglassene . Opernglas-Verlags-Gesellschaft, Hamburg, ISSN  0935-6398

Weblinks

• Opera -Guide (Opera Guide) Synopsis - Libretti - Højdepunkter
• Operoner: dataindsamling om operaer, roller, komponister osv.
• Opernnetz - Online musikteatermagasinet
• Operaer i repertoiret af tysktalende teatre
• Data- og linksamling OperaGlass (engelsk)
• Online database "Operaen i Italien og Tyskland mellem 1770 og 1830"
• Link katalog om opera på curlie.org (tidligere DMOZ )
• Kulturprimer , mange operaer - i detaljer med forskellige fotos
• OperaLounge - Det lidt anderledes operamagasin. Lidenskabelig. Snusket. I øjeblikket.
• ViFaMusik -samling af opera streaming -tilbud
• Das Opernmagazin - Opera- og kulturbladet på Internettet af Detlef Obens

Individuelle beviser

1. ↑ Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (red.): Riemann Music Lexicon (med forbehold del) . B. Schott's Sons, Mainz 1967, s. 654 . 
2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Tysk musikinformationscenter .
3. ↑ Resumé se: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . I: Carl Dahlhaus (red.): Pipers Enzyklopädie des Musiktheater . Bind 4. München 1991, s. 253-259.
4. ^ Johannes Jansen: Crashkurs opera . S. 127, "Afgang til den moderne tidsalder".
5. ↑ Statistik 2017/18. Operabase ; tilgået den 14. juni 2018.
6. ^ Roswitha Frey: "Virkeligheden har indhentet os" . Badische Zeitung , 18. marts 2016.
7. ↑ Versailles spøgelser. Hentet 7. juli 2019 . 
8. ↑ Kurt Pahlen : Det nye operaleksikon. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , s.9 .